Et à l’occasion de son concert au Studio de l’Ermitage, le jeudi 9 mai, on vous fait gagner des places !

CONCOURS // Toute personne ayant acheté sa place entre le 29/04 et le 05/05, peut tenter sa chance pour en gagner une deuxième.

Pour cela rien de plus simple, il vous suffit de « liker/aimer » la fanpage WALKZINE https://www.facebook.com/Walkzine et d’envoyer la preuve de votre réservation (mail de confirmation ou capture écran) à walkzine@gmail.com. / Objet du mail : Idriss Ermitage.

Un tirage au sort parmi les mails reçus aura lieu le 6 mai pour désigner les 5 chanceux !

Réservez votre(vos) place(s) ici
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La finalité de cette récompense? Accompagner l’artiste dans son futur développement.

Au programme, 10 artistes aux univers très variés allant du rock au rap, en passant par le new wave et la folk : Alex Hepburn, Django Django, Hugh Coltman, Laurent Lamarca, L.E.C.K, Lescop, Lilly Wood & The Prick, Revolver, Rover et Sultan.

Suite à une première sélection au cours des dernières semaines, les 10 talents nominés se sont donc produits en live devant quelques privilégiés et les membres du jury : Cali: Président du jury /Aymeric Pichevin : Directeur Général – HOME / Isabelle Pratlong :  Directrice de la Musique – M6 / Frédéric de Vincelles : Directeur Général – W9 / Jerôme Fouqueray : Directeur Général – RTL2 / Eric Jean Jean : Animateur – RTL / Jean-Frédéric Tronche : Journaliste – Nouvel Obs / Obsession / Jérôme Goldet : Musicien / Judith Levy : Manager Artistique.

19h30. Arrivée sur la péniche où se déroulait la cérémonie, accueillie par la responsable des relations publiques,  Edwige de France.

Repérage des lieux. Rangées de sièges dorés réservés au VIP devant la scène et bar à tous les étages, afin de se rafraîchir en attendant la prestation des artistes. Alors que je me rends sur le toit de la péniche où les artistes se détendent et posent pour un shooting photo, j’ai le plaisir de retrouver Hugh Coltman et Rover, interviewés sur Walkzine en 2012.

Cali, véritable bête de scène, ouvre les festivités en interprétant quelques titres. Il ne lui en faudra pas plus, pour nous plonger dans une ambiance survoltée.

Malgré un peu d’attente entre chaque prestation due aux changements d’installation sur scène, les artistes se succèdent. Outre Rover et Hugh Coltman, - grands favoris de Walkzine - Lilly Wood & The Prick et Revolver sont des valeurs sûres, et Django Django est sans conteste LA découverte de la soirée.   

La soirée touche à sa fin. Il est temps pour le jury de se concerter… Après de longues délibérations, l’heure du verdict a sonné. Cali tient à expliquer que le choix a été délicat, qu’il a du trancher entre deux artistes qui sortaient du lot… Roulement de tambours… C’est finalement Rover qui remporte le prix (Youpi).

Ce prix lui assure donc une « forte exposition sur W9 à travers notamment la diffusion d’une campagne de publicité à la sortie de son prochain album, de passages de son clip et de prestations live dans les émissions de la chaîne« .

A l’issue de la cérémonie, nous sommes conviés à nous rendre sur une autre péniche afin de dîner, le temps d’une ballade sur la Seine… Autant vous dire que cette soirée fût longue et le réveil difficile!

Pour revivre les différentes étapes de ce prix, ne manquez pas Le documentaire « Dans les yeux de Cali » et « Le Prix Talent Tout 9 : Le Live » diffusés le samedi 8 juin 2013.

http://leprixtalenttout9.com/

Idriss, tu as grandi entouré de musiques classique orientale et occidentale, de jazz, de rock… Quelles ont été les  grandes lignes de ton parcours musical ?

La plus grande ligne ça a été le jazz. J’ai commencé très tôt à jouer du jazz, dès l’âge de 11 ans. Quand j’ai commencé à faire du piano j’étais déjà passionné de jazz et je ne voulais faire que ça. Ma prof. de l’époque était une vieille dame de 75 ans et elle voulait me faire faire du classique, mais j’ai pas persévéré… Au bout de 4 ans de piano avec elle, elle m’a dit qu’elle n’avait plus rien à m’apprendre… Je commençais à relever (retranscrire) du Bill Evans et des choses comme cela. J’ai continué à Casablanca, de 14 à 18 ans, à apprendre le jazz tout seul tout en jouant dans des groupes casablancais. Ensuite, je suis venu à Paris, à l’âge de 18 ans pour faire des études de musique. Je me suis vraiment frotté au jazz parisien, je me suis fait des copains de mon âge qui étaient tout autant fous de jazz et j’ai évolué comme cela pendant 10 ans…

Tu as donc suivi l’enseignement du jazz dans des écoles américaines à Paris ?

Je suis venu du Maroc pour étudier la musique. La première année, j’ai fait une école française puis je me suis inscrit dans une école de commerce parce que mes parents voulaient que je fasse des « études  sérieuses »… mais je me demandais ce que je faisais en cours de commerce international, alors un beau matin de printemps, j’ai fermé mes cahiers et j’ai intégré l’American School pour faire des « études sérieuses » de musique !

Comment s’est passée la transition entre la fin de ton cursus et le moment où tu as décidé d’intégrer le Guembri dans ta musique ?

Sur un parcours de 20 ans à Paris, je n’ai pas fait que du jazz. On m’a appelé pour travailler avec plusieurs artistes. Je faisais un peu de tout et j’ai découvert le Guembri en 1999 en allant à Marrakech.

J’étais en voyage avec un copain et il m’a dit « Viens on va dans une soirée privée, chez un ami ». On est arrivé et j’ai entendu des tambours. Tout le monde dans la fête savait qui était en train d’arriver. Et là, j’ai vu des musiciens gnaoua et le grand Maître Mahmoud Guinéa… Ce jour là, j’ai pris une énorme claque en les voyant jouer. Ils se sont assis et se sont mis à jouer pendant 2 heures, des chants traditionnels. A la fin, je suis allé voir un des musiciens – j’osais pas m’approcher du grand maître – je me suis présenté en tant que musicien de jazz marocain, et il m’a dit en arabe « Si tu passes par Essaouira, viens nous voir, tu seras le bienvenu ».  Le soir même, j’ai dit à mon pote qu’il s’était passé quelque chose, qu’il fallait absolument que je parte à Essaouira… Le lendemain, on a pris la voiture. Il faut savoir que Mahmoud Guinéa est le plus grand Mâallem d’Essaouira et le sanctuaire gnaoua d’Essaouira, zaouïa sidna bilal, est occupé par sa famille. On est arrivé le soir, on a tapé à la porte de la zaouïa mais ils refusaient tout le monde. J’ai vu au loin le beau-frère du Maître qui nous a fait rentrer et j’ai pu rencontrer le Maître.

Quelques mois après, je faisais un concert avec mon quintet de jazz à Ouarzazate pour le Marathon des sables. J’ai proposé au programmateur de faire venir le Mahmoud Guinéa pour que l’on joue ensemble, avec mon groupe. Je suis ensuite resté un long moment à Essaouira et  j’ai passé du temps avec le Maître et ses musiciens. Avec mon break Nevada 21, je les conduisais à leurs « lilat » – soirées traditionnelles – et je les regardais jouer. Puis, je suis parti du Maroc avec un Guembri… et j’ai commencé à en jouer.

Tu avais appris le Guembri avec eux ?

Non. Ils me montraient, je regardais. Ils me montraient deux, trois notions mais c’était pas des cours. Je suis rentré à Paris avec des cassettes de Mahmoud, et j’ai appris comme ça, tout seul.

 Comment passe t-on du piano au Guembri ?

Quand je me suis mis au Guembri, c’était vraiment un coup de cœur. C’est mystique, j’ai été happé. On dit souvent au Maroc que « tu es appelé ».  Mon père flippait quand j’ai commencé à fréquenter les Gnaouas car ils n’avaient pas la même réputation qu’aujourd’hui. C’était considéré comme du vaudou, chez nous au Maroc et il avait peur de la magie noire…

J’ai commencé à apprendre seul chez moi ce qu’on m’avait montré. Il était temps pour moi de découvrir un nouvel instrument… J’ai été obligé d’apprendre des airs traditionnels à l’oreille. Après il a fallu que j’apprenne les mots phonétiquement. Puis j’ai assemblé les briques, j’ai rapidement commencé à composer… et très vite, je me suis fait mon propre jeu qui n’est pas vraiment gnaoui.

Parle-nous de ta rencontre avec Tony Allen.

Quand j’ai commencé à jouer du Guembri, c’était une époque où j’écoutais beaucoup Fela Kuti et une de mes projections était de jouer un jour du Guembri avec Tony Allen. J’étais convaincu que mes grooves et les siens se marieraient très bien. 

Il y a 2 ans, après avoir entendu les pré-prods de l’album et persuadé que cela allait lui parler, un ami me l’a présenté. On s’est rencontrés chez lui et je lui ai passé No Problem. Il m’a demandé qui jouait de la batterie, je lui ai dis «  mon batteur »,  il m’a répondu cash « I wanna play on this song ! ». On a passé la soirée ensemble, jusqu’à 4h du mat’ à discuter et à boire du whisky. Deux semaines après, je bookais une séance de studio et il est venu en featuring sur No problem. 

Quelques mois plus tard, on était sur scène au Duc des lombards avec d’autres éminents musiciens. Et comme il le dit sur une des vidéos, c’est la première fois qu’il jouait sur scène, accompagné d’un Guembri… Pour moi ça restera un souvenir mémorable et un grand moment dans mon parcours. En résumé, c’est un vieux rêve qui s’est réalisé ! 

 Dans quel contexte ton album « Wild Bird » a t’il été composé ?

Cet album est arrivé lors d’une transition… Avant je chantais en français, et je me suis rendu compte qu’il y avait une dichotomie en France, entre la perception de l’instrument et le fait de chanter en français. Je me suis donc éloigné de la chanson française et j’ai commencé à composer en anglais. Ça a été une transition sur deux ou trois ans, parce que je faisais des concerts où je chantais encore en français… Jusqu’au jour où j’ai décidé que j’allais me consacrer à l’anglais.

Et de quoi parle cet album ?

La plupart des textes sont engagés. Je n’ai pour l’instant aucune chanson d’amour sur mon album, pas de chansons légères non plus. Tout est parti de cette chanson qui s’appelle No problem. J’étais allé voir un auteur qui s’appelle Pierre Grillet et à qui j’avais demandé un texte en anglais. Certains pourraient reprocher qu’il est trop simple, moi au contraire, je l’ai trouvé très « africain ». Il y a peu de mots, c’est un message assez direct et il m’a fait penser à une composition qui datait de 6 ans, qui dormait dans mon minidisc. C’était le départ de l’album…

A partir de là, j’ai commencé à composer d’autres chansons dont notamment « Wild Bird » et « One O One »… J’étais à la recherche de textes et je suis tombé sur les textes de ma sœur, sur MySpace. Elle est au Maroc et je ne savais pas qu’elle écrivait… J’ai trouvé ça beau ! Je suis donc content car dans l’album, il y a deux textes de ma sœur, « Wild Bird » étant une de ses histoires un peu personnelles que j’ai adaptée et mise en musique.

Il y a mon fils également qui apparaît sur l’album, car il était en studio avec nous lorsque j’enregistrais les voix. Il avait un an et demi, il touchait à tout et des fois, il s’amusait avec le micro. Il y a une chanson qui s’appelle « Goddamn the pusher man » c’est celui qui pousse à la consommation, en général c’est le « dealer ». Le rapport avec mon fils, c’est que je pars du principe que je suis adulte, donc je peux consommer si je le veux. Mais les dealers qui poussent les gamins à la consommation, je suis totalement contre ça… En guise de clin d’œil donc, j’ai composé l’intro au piano et intégré la voix de mon fils.

Quelles sont les prochaines étapes de ce projet ?

C’est un projet que j’ai monté en autoproduction totale. Par la force des choses, j’ai fini par créer un label, en me disant que si je ne le faisais pas, personne ne le ferait pour moi. J’ai donc cette double casquette et j’apprends à faire le métier de producteur. J’ai la chance d’avoir une équipe soudée… Astrid Moors, Mounir Kabbaj, Yassin Tabouktirt me soutiennent et travaillent à mes côtés, car ils aiment ce projet. Je suis d’ailleurs assez ému de cela.

De nos jours, on attend des artistes qu’ils se démerdent, qu’ils aillent au charbon et c’est intéressant de le faire, on apprend vraiment tous les rouages du métier.

A l’heure actuelle, on est dans cette phase où on organise un concert le 9 mai au Studio de l’Ermitage. L’album sort fin avril… Et je pense déjà au prochain !

Copyright Photos (studio) : Akram  »Meloman » BELAID

 http://www.idrisselmehdi.com/ 

Studio de l’Ermitage : Réservations

]]> http://walkzine.com/2013/04/21/interview-didriss-el-mehdi/feed/ 1 Idriss El Mehdi 1 walkzine Idriss El Mehdi 2 guembri Idriss El Mehdi 3 http://walkzine.com/2013/04/01/le-mondial-du-tatouage-au-104/ http://walkzine.com/2013/04/01/le-mondial-du-tatouage-au-104/#comments Mon, 01 Apr 2013 19:49:50 +0000 Isabelle P. http://walkzine.com/?p=2276 ]]> Vous le savez peut-être, du 22 au 24 mars, je participais à la première MediaLab session parisienne. Je n’ai donc pu me rendre, à grand regret, au Mondial du Tatouage… mais parce que Walkzine est tout autant promenade « sonore » que « visuelle », je tenais à vous présenter ce Mondial. Et qui aurait pu vous en parler mieux que ma sœur, qui consacre tout son temps libre à cet univers? … C’est donc en tant qu’ambassadrice de Walkzine, que Junky Van Lolah s’est rendue à cet événement et nous plonge à travers ses mots, dans ce monde piquant et coloré.

« Le weekend du 22 au 24 Mars, j’ai eu le plaisir de me rendre à la 3^ème édition du Mondial du Tatouage qui se tenait dans le magnifique cadre qu’est le 104, à Paris.

Un an que je patientais, en compensant cette attente par l’achat de livres et magazines de tatouages, ou en allant directement me faire tatouer dans des conventions comme celles d’Amsterdam ou Bruxelles.

J’avais déjà eu l’honneur de rencontrer Tin-Tin, à Bruxelles justement. Derrière sa carrure plus qu’impressionnante, se cache un homme simple et facilement abordable, passionné par ce qu’il fait … et qu’il fait bien ! C’est avec Piero (La cour des miracles, Toulouse) qu’à eux deux, ils ont décidé de remettre en place le Mondial du Tatouage, après  13 ans d’absence.

Le dimanche matin, arrivée à Paris vers 11h, après quelques heures de route depuis Lille, me voilà enfin devant le 104. La file d’attente traverse déjà le quartier, mais mon accréditation presse m’épargne cette longue et glaciale étape (Joie). Après avoir croisé Nicolas Brulez aka The Tattoorialist et planifié un shooting dans l’après midi, je me faufile entre passionnés, newbies et simples curieux qui vagabondent le long des allées.

Le ton est donné : Tandis que je découvre la disposition des stands, des hommes intégralement tatoués s’exposent dans leur plus simple appareil (ou presque) devant le regard ébahi du public.

Une musique rock entraînante guide mes pas. Je fais le tour des lieux, me mêle à la foule, prends des photos et me laisse transporter tant par l’odeur unique de l’encre, que par le cliquetis irremplaçable et si particulier des dermographes.

Un peu plus tard, je rencontre l’équipe de Tattooisme (prononcé Tattoo is me) composée notamment de Chris Coppola (rédacteur en chef de Rise Tattoo Magazine) et de la superbe Kitiza, avec laquelle j’aurai le plaisir de discuter un instant sur le choix du lieu. Nous faisons alors un constat : En comparaison aux autres conventions du tatouage, le 104 est particulièrement lumineux et permet ainsi de sublimer le travail des tatoueurs présents… Et il faut savoir que sur cette édition, des artistes tatoueurs, il n’y en a pas moins de 287!

Plus loin, une jeune fille n’hésite pas à m’aborder pour me poser quelques questions sur l’univers du tatouage, afin d’alimenter son mémoire de recherches. Après avoir répondu à ses questions, marché pendant quelques heures encore et rencontré les tatoueurs dont j’admire le travail – David de Perthuis, Dimitri HK, Fred Laverne ou encore Mickaël de Poissy pour ne citer qu’eux –  il est temps pour moi de rentrer.

C’est donc la tête pleine de souvenirs et le cœur remplie de nostalgie, que je me suis réveillée le lendemain matin… Mais c’était sans compter l’Exposition Epidermique#2, visible gratuitement jusqu’au 12 mai, à la Maison Folie de Wazemmes (Lille). Me voilà aussitôt replongée dans ce monde qui me passionne bien plus qu’il ne me fascine.

L’art de la modification corporelle est un art qui se démocratise peu à peu, et le tatouage en est l’exemple parfait… S’il y avait bien une chose que je défendrais cœur et âme, c’est que le tatouage est un art, la peau étant une toile, le dermographe un pinceau et le tatoueur un artiste-peintre… ».

Photographies & Rédaction : Junky Van Lolah

Remerciements à Jérémy Richet & au bureau de presse Brigitte Batcave

http://www.mondialdutatouage.com/

Exposition Epidermique#2

Tirage au sort le 14 mars.

Artiste pluriel et indépendant, Wax Tailor est souvent considéré comme le chef de file de la scène trip-hop et hip-hop cinématique. Il s’est imposé, en 3 albums (2 disques d’or) et quelques 400 concerts dans près de 50 pays, comme un incontournable ambassadeur de la scène française à l’international. De retour avec DUSTY RAINBOW FROM THE DARK, concept album événement, il délivre un conte musical puisant, un récit dans l’imaginaire de l’enfance. Ce quatrième long-métrage audio signe une très jolie allégorie sur le pouvoir d’évasion de la musique. Cette fable multicolore au casting international nous ballade entre trip-hop psychédélique et hip-hop électro baroque. Wax Tailor redéfinit les contours de son orfèvrerie, liant modernité et intemporalité.

En première partie, The Fakir (Franck Dadure) propose une expérience sonore entre électronica cinématique, groove moyen-oriental et Nu-jazz…son dernier album « Mélodies Lunatiques » est sorti sur le label Signature de Radio France en 2012.
Il sera accompagné de Fred Sachs (Moog/guitar) et de la flûtiste Ludivine Issambourg du groupe UHT°.

J’en profite pour vous faire découvrir le nouveau projet de Ludivine, intitulé Antiloops qu’elle présentera notamment le 30 mars prochain au Sunset.

Event Facebook

http://waxtailor.com/
www.franckdadure.com
https://www.facebook.com/antiloops.musique

Emmanuel Pahud, flûte (qui avait consacré une Interview à Walkzine en novembre 2012) / Paul Meyer, clarinette / Marie-Pierre Langlamet, harpe / Daishin Kashimoto, violon / Maja Avramović, violon / Amihai Grosz, alto / Raphaël Pidoux, violoncelle.

Entrée en matière tout en douceur, avec l’Introduction et Allegro pour harpe, flûte, clarinette et quatuor à cordes de Ravel. Comme il a bien fait Monsieur Erard de commander cette œuvre à Ravel, pour promouvoir le jeu de la harpe chromatique… Véritable moment de rêverie et d’élégance, on aimerait que cette page de musique ne s’arrête jamais…

 S’ensuit le Prélude à l’après-midi d’un faune de Debussy qui fait la part belle à la flûte avec un solo introductif, redouté par tant de flûtistes (!).  « Illustration très libre du beau poème de Mallarmé », il est plutôt amusant d’entendre cette œuvre en direct, après l’avoir écouté tel un leitmotiv, dans le film Passion de Brian de Palma, quelques jours auparavant.  

Ce Prélude est ici joué dans sa version retranscrite  - par le harpiste et chef d’orchestre Fabrice Pierre – pour petit effectif mais je préfère la version originale pour orchestre. Chaleur des cuivres, deuxième thème au hautbois, nappes de cordes manquent à l’appel bien que cette œuvre reste sublime…  On prend ainsi mieux conscience du génie de Debussy dans sa minutie à choisir et marier les timbres des instruments.

La Sonate pour flûte, alto et harpe de Debussy est quant à elle considérée comme l’une des œuvres majeures du répertoire de musique de chambre du XXe siècle. L’ écriture y est plus moderne et dansante, teintée d’influences orientales.

Après l’entracte, c’est au tour de la clarinette de se révéler dans le Quintette pour clarinette et cordes de Brahms. ô Brahms, orgasmique Brahms… Je vous mets au défit, de me citer une seule œuvre de ce compositeur qui ne soit pas divine. Ce Quintette a connu un immense succès dès sa création en 1891. Ces 30 minutes de délice auditif viendront donc clôturer ce superbe concert, dont la qualité des interprètes n’est plus à prouver.

Je vous invite à (re)écouter ce programme qui sera rediffusé sur France Musique, le 15 mars à 14h.

Berliner Philharmoniker

Cité de la Musique

France Musique

On peut déjà ressentir le charisme de ces trois frères qui constituent le Trio Joubran, à leur simple entrée sur scène. La démarche assurée, le buste droit, le regard fier… Fiers d’être à l’Olympia pour célébrer leurs 10 ans de carrière, fiers d’être les premiers à donner un concert palestinien dans cette salle mythique.

Le jeu de lumières rehausse tour à tour le blanc impeccable de leur chemise ou la couleur acajou de leur oud. Un film retraçant leur toute première prestation est diffusé. Deux percussionnistes tout de noir vêtus, accompagnent le trio. Trois toiles suspendues projettent leur visage et toutes les expressions qui s’en dégagent lorsqu’ils jouent. Les vers récités du poète Mahmoud Darwich défilent… Il n’en faudra pas plus pour écouter religieusement cet ensemble.

Leur joie d’être sur cette scène est communicative. Ils n’hésitent pas à nous faire part d’anecdotes tant familiales que sentimentales, mais la concentration est à son comble dès lors qu’ils attaquent un nouveau morceau. Epoustouflantes dextérité et virtuosité. Le flot de notes remplace la parole…

Ce soir là, je n’étais plus tout à fait à l’Olympia. Totalement happée par la beauté des mélodies, la chaleur du oud, la parfaite maîtrise instrumentale de ces musiciens, ayant presque le sentiment d’appartenir à ce peuple… jusqu’à ce qu’un des frères entreprenne de faire chanter le public sur la chanson « Ahwak » d’Abdel Halim Hafez… et soudain, je devenais « spectatrice des spectateurs ». Des mines réjouies, une émotion intense, un drapeau palestinien fièrement déployé non loin de moi, des « youyous » (célèbres cris que lancent les femmes du Maghreb pour exprimer leur joie) qui résonnent aux quatre coins de la salle…

Et comme pour mieux finir en beauté, un flûtiste et une troupe de onze danseurs folkloriques sont venus sublimer le concert en dansant la dabkeh.

Il y a de ces lieux mythiques, chargés d’émotion et d’histoire. Il y a de ces groupes mythiques, chargés d’émotion et d’histoire. Lorsque les deux s’unissent le temps d’une soirée, vous assistez à un moment de grâce, d’une rare intensité, qui restera gravé dans votre mémoire à tout jamais…  Ce fut le cas de ce tout premier concert palestinien à l’Olympia, donné par le fabuleux Trio Joubran célébrant leurs 10 ans de carrière…

A noter la sortie d’un coffret à vous procurer d’urgence : lien 

« Fondé en 2004, Le Trio Joubran est le groupe des trois frères Samir, Wissam etAdnan Joubran, héritiers d’une ancienne famille de luthiers de Palestine. Ce coffret célèbre leurs dix ans de carrière : les premiers albums Randana et Majâz, À l’ombre des mots avec le poète Mahmoud Darwich, un recueil à haute portée symbolique, la musique du film Le Dernier Vol réalisée avec Chkrrr qui est une collaboration exemplaire, AsFâr enfin l’album de la maturité, avec la voix de Dhafer Youssef sur deux titres et toujours les fameux rythmes de leur fidèle percussionniste Youssef Hbeisch. Pour parachever l’ensemble, un DVD permet de retrouver les musiciens à la fois dans leur intimité et sur scène, au sommet de leur art. »

Une immense merci à Simon Boichot de ParisMix et Zamora Productions.

 http://www.letriojoubran.com/fr/

Et si vous souhaitez découvrir ou réécouter d’autres joueurs de oud, je ne saurai que trop vous conseiller :

DHAFER YOUSSEF

ANOUAR BRAHEM

SMADJ

Tiwayo, c’est qui ?! c’est oim !  C’est quoi ?! C’est une aventure … Tiwayo vient en fait d’un surnom que l’on m’a donné lors de mon premier voyage aux USA. Un compagnon de route m’a surnommé  » The Young Old » à cause de mon visage qui fait (très) jeune et du grain de ma voix qui fait penser à quelqu’un de « vieux ». 

J’ai gardé les initiales de « The Young Old », ¨ »T » « Y » « O », qui,  prononcées en anglais et réécrites donnent Ti- way-o ! Voila comment mon non de scène est venu…

J’ai appris par hasard bien plus tard après la naissance de ce nom que dans une langue du Niger appellée le « Yoruba », Tiwayo voulait  dire « Joie de Vivre »…! N’est ce pas formidable ?

Quel est ton parcours?

J’ai été enfant timide, puis lycéen passionné, puis étudiant en sociologie de l’amour, puis apprenti boulanger, en même temps qu’Animateur-Vendeur d’ananas en supermarché.

Artistiquement parlant, j’ai commencé la guitare en Seconde avec ma bande de potes. Là, j’ai trouvé un filon et je n’ai pas cessé depuis. J’ai donc commencé tard , à16 ans. J’ai développé au lycée un amour pour la musique jamaïquaine. Bien au delà des clichés réducteurs que l’on colle parfois au Reggae , cette musique m’a énormément influencé et appris sur la magie de la rythmique, le groove et l’arrangement musical en général.

 J’ai commencé à intégrer différentes formations Reggae mais aussi Rock et Blues en tant que guitariste donc. En parallèle, j’ ecrivai mes premières chansons et miaulait timidement dans ma chambre. Dans la foulée, j’ai commencé à composer pour une chanteuse talentueuse mais ce projet n’a hélas pas abouti. A un moment donné, il y a environ 2 ans  j’ai ressenti le besoin de me recentrer sur ma pomme et j’ai commencé ainsi mon aventure en tant que Tiwayo. Je suis alors descendu dans le métro parisien pour y exercer ma voix avec des covers et des compos. Dans le même temps, je commençai à arranger sérieusement mes compos dans mon petit home studio et à les monter avec diffèrents musiciens pour le live. J’ai pris contact avec le bassiste Thierry Negro ( Last Poets, Alton Ellis, Magic Malik, DaaraJ …) qui restera et ce jusqu’ à aujourd’hui  le musicien, l’ami et le pilier sur lequel m’appuyer, me permettant de toujours tirer ma musique vers le haut. Et depuis, avec l’aide de différents musiciens d’ici et d’ailleurs qui m’apportent tous leur énergie, une bonne cinquantaine de concerts sur Paris …

On dénote de multiples influences dans ta musique. D’où viennent elles?

Mes influences viennent avant tout de ma famille. Mon père m’a donné le Blues et le Jazz, ma mère ma définitivement donné le Rock’n'Roll, et mon grand frère la Pop.

Comme je le disais, le Reggae a été le premier socle sur lequel j’ai commencé à bâtir mon univers. C’est marrant d’ailleurs, car le Reggae est d’une manière un parfait mélange de tous ces styles cités…. On est bien le fils de ses parents.

Je n’ai pas voyagé en Jamaïque mais je suis parti en Haiti à 16 ans. Puis j’ai voyagé aux Etats Unis à plusieurs reprises. La bas, j’y ai  affirmé un amour pour le Blues, le Rock et la Soul. Dans quelques clubs de Chicago ou de Memphis, et plus particulièrement ceux de la Nouvelle Orleans, j’ai développé ma compréhension et ma passion pour ce que l’on appelle plus largement la « Black Music ». Cependant je me rend compte aujourd’hui, que peu importe les styles, c’est avant tout une époque qui ne cesse de m’influencer, c’est celle des 70′s bien sûr !

Un duo avec Rover sur RFI. Véritable collaboration ou instantané? 

C’était juste un moment instantané… Nous étions tous les deux les invités d’une émission sur RfI dont le final est la rencontre musicale des artistes. Nous nous sommes mis d’accord sur le titre « Light my Fire » et cela c’est fait spontanément, portés par le groove des musiciens de mon groupe. La musique de Rover est vraiment top et je garde de cette expérience un super souvenir … J’espère que nous aurons l’occasion de nous recroiser…

D’autres envies de rencontres artistiques?

Il y a des tas d’artistes que j’aimerai rencontrer et avec qui échanger! Par contre ceux que je rêvérai le plus de rencontrer sont deja morts… !  Dans les bien vivants, je citerai comme ça The Black Keys, Aloe Blacc, Mayer Hawthorne , Selah Sue… 

Si tu devais choisir un lieu à Paris ce serait?

Pour un concert ? Le Trianon !

Quels sont tes projets pour 2013?

Le projet de 2013 est vraiment  l’album.  Ce bébé dont je suis enceint depuis plus de deux 2 ans sortira en 2013 ! Le Bass/Batterie/Clavier a déja été enregistré et je me concentre maintenant pleinement à l’enregistrement de mes guitares , de mes voix et à la réa de ce dernier… 

 A noter que Tiwayo est en concert ce vendredi 22 février à la Dame de Canton, et que comme WALKZINE est partenaire, on vous offre 5×2 places pour assister à ce concert!

CONCOURS : Pour tenter de remporter des places pour le concert de TIWAYO ce 22 février à la Dame de Canton, il suffit de rejoindre (liker) la fanpage WALKZINE https://www.facebook.com/Walkzine et de laisser le commentaire « Tiwayo » sur le mur ou en message privé. Tirage au sort : Jeudi 21 février.

Page facebook Tiwayo

Page facebook du concert

Soukmachines t’entraîne dans son complot le samedi 2 février, dans une ancienne usine imposante, belle et effrayante, pour une Soukmachination à la sauce cabale !

Diabolique, ténébreuse et joyeuse à la fois Soukmachines t’envoûtera comme à son habitude par son éclectisme artistique : musique acoustique ou électronique, tempos acérés ou paroles loufoques, ambiances multiples et déco à la pointe d’une imagination prête à nuire à tout conformisme.

Dans cette salle des machines, le Souk te dévoilera l’infernal univers d’artistes et leurs œuvres fantasmagoriques. Te laisseras-tu travestir par le Souk ? Si tu as besoin de reprendre ton souffle, tu pourras toujours scotcher quelques minutes devant notre manège d’ombres DIY ou siroter un breuvage à prix doux accoudé au bar indus…avant de repartir de plus belle chauffer le dance-floor !

Pour que le mystère reste entier et que la magie opère un peu plus encore, le lieu francilien (8 minutes d’un métro) te sera dévoilé en temps et en heure !

consos :2 à 7 €
PAS DE CB
NO PARKING
Bon esprit exigé.

CONCOURS // La mauvaise nouvelle? C’est complet. La bonne nouvelle? Walkzine, partenaire de la soirée, te fait gagner 2×2 places (invitations valables avant 23h, le samedi 2 février). Il te suffit de rejoindre la Page facebook Walkzine et de laisser le commentaire : « Soukmachines ». Tirage au sort mercredi 30 janvier.

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/ MUSIK / DJ SET /

- ARAT KILO (Ethio dub)
http://www.aratkilo.fr/Arat_Kilo/Accueil.html

- TRACKERS (techno accoustique)
http://www.trackersdm.com/

- ENCORE! (electro-rock)
https://soundcloud.com/encore-8

- WALTER MECCA et BONNIE BANANE (hip-fonk)
http://www.youtube.com/watch?v=xtg6KzRmGpE
http://www.youtube.com/watch?v=7MSFqJSW4XQ
https://soundcloud.com/walter-mecca/breakingpoint-feat-bonnie

- SPLASH WAVE (discohousepunk)
http://www.myspace.com/splashwave

- BADBAD (electro-punk)
http://badbad.bandcamp.com/

- LA MAMIE’S (Vinyl spirit, groove, techno, afro…!!)
https://soundcloud.com/mamiesound

- THE VENUS PROJECT (Dj set, indie, electro)

- PHELD (Dj set deep house)
http://minu.me/81wu

/ INSTALLATIONS /

- The Kotcocorette
- Magali Wehrung et Anne-Sophie Levet // manège d’ombres
http://hop-la.com/
- Peter et Steven // Vidéo-mapping
http://cargocollective.com/peteretsteven/PETER-STEVEN
- Fer à coudre // installation machinale 
http://www.feracoudre.com/

Page Facebook Soukmachines

http://soukmachines.blogspot.fr/

Aux manettes de cette soirée placée sous le signe de l’art, Anthony Leroy & Sandra Moubarak (musiciens classiques) et Juliette Deschamps, qui n’en est pas à son coup d’essai puisqu’elle est la plus jeune metteur en scène à avoir été invitée à se produire au Théâtre des Champs-Elysées, en 2006 avec son premier spectacle, Era la notte. Quelques années et commandes plus tard, elle fera ses débuts au Lincoln Center de New-York en 2013… mais avant cela, retour au Musée du Quai Branly.

Présentation : Les écrits cosmogoniques et calendriers des Mayas désignent, selon certains exégètes, le 21 décembre 2012 comme le « dernier jour », si ce n’est de notre monde, du moins d’un cycle. 

Cette date chargée de sens pour certains, énigme pour d’autres, et sujette à commentaire pour la plupart d’entre nous, nous a donné envie de consacrer une soirée particulière au thème millénariste et millénaire du cataclysme, du dernier soir, de la fin du monde.

Avec exaltation souvent, démesure parfois, la fin du monde décrite par tous les grands textes sacrés continue d’inspirer toutes sortes d’œuvres : littérature d’anticipation, fictions cinématographiques, arts plastiques et rituels contemporains, et puis la musique, ou plutôt les musiques.

Des artistes et musiciens venus de toutes les scènes, et de tous horizons – musique classique ou actuelle, pop, tribale, électronique – sont réunis autour d’une seule et même date : 21.12.12. 

Cordes pincées, électrisées, bois soufflés, peaux frappées, métal qu’on sonne, vinyls remixés, 21.12.12 est un voyage sonore unique, un rendez-vous au pays de la pensée magique, un concert et une création qui nous font redécouvrir la dimension rituelle de la musique, lorsqu’elle devient un dernier hommage, une prophétie, une conjuration, une folle inquiétude ou un adieu.

Au programme : oeuvres de Henry Purcell, Max Richter, Woodkid, Olivier Messiaen, Tribal et Compagnie, Zombie Zombie…

Textes de Nicolas d’Estienne d’Orves, avec l’aimable autorisation des éditions Grasset.

Avec Hugh Coltman (voix), Anthony Leroy (violoncelle) et Sandra Moubarak (piano), Zombie Zombie (musique électronique), Quintette Eden Brass (cuivres), Tribal & Compagnie (percussions et sound design), Sarah Nemtanu (violon),  Nicolas d’Estienne d’Orves (auteur du Village de la fin du monde aux éditions Grasset), …

 Mise en scène, lumières : Juliette Deschamps

Images originales : Marc Obin

Avec l’aimable collaboration de Sophie Hong pour les costumes.

Entrée libre, dans la limite des places disponibles.

Durée du spectacle : 1h15 environ

Festival Saint-Ricquier 2012 / Anthony Leroy et Sandra Moubarak, direction artistique

Une soirée produite par l’association Musique en Utopia, en partenariat avec le musée du quai Branly, sur une idée originale de Dominique Leroy et Henri Sevestre. 

L’Association Musique en Utopia est soutenue notamment par GDF-SUEZ, la Chambre de Commerce et d’Industrie Amiens-Picardie, le Crédit du Nord, et bénéficie du mécénat d’un ensemble d’entrepreneurs de la région d’Amiens et du partenariat actif de France Business School.

Président d’Honneur : Albert Jacquard, avec la complicité de l’astrophysicien Hubert Reeves et de Rémi Ranson, architecte, Président en exercice.

Musée du Quai Branly

Bruno, pourrais-tu revenir dans les grandes lignes, sur ton parcours?

J’ai beaucoup joué aux legos quand j’étais petit. J’y joue encore beaucoup… et je pense que l’aspect « construction » a toujours été une chose importante pour moi. La deuxième chose c’est que j’ai toujours beaucoup aimé être entouré de sons et donc je pense qu’à un moment, les deux se sont connectés. La construction de legos et les sons ont fait que la composition est devenue une évidence pour moi… et je le dis vraiment sans plaisanter !

J’ai  fait un peu de piano, des percussions, du jazz. De par le jazz je suis arrivé à l’improvisation, plus libre. Par la percussion, je suis arrivé à un répertoire plus récent que Bach ou Brahms. La musique contemporaine et la modernité étaient des choses totalement intégrées et digérées, dès petit. Très rapidement ces facteurs là ont convergé vers l’écriture.

Après mon bac, je suis rentré au Conservatoire de Paris où j’ai partagé mon temps entre l’écriture, la composition mais aussi des disciplines plus culturelles et intellectuelles comme l’histoire de la musique, l’esthétique, l’analyse, qui m’ont permis de considérer mon travail comme une mise en perspective de l’histoire… de questionner l’histoire de la musique ou l’histoire des arts dans mon propre travail.

J’ai également fait un saut à l’IRCAM, un autre dans une petite Villa Médicis allemande. J’avais 24 ans et ce voyage en Allemagne m’a totalement transformé tant musicalement qu’humainement, je pense.

Je suis revenu en France et j’ai commencé ma carrière avec notamment l’Ensemble Intercontemporain puis à l’international. En 2004, je suis parti à la Villa Médicis de Rome pendant un an et demi. A mon retour, mon parcours a été jalonné de plusieurs œuvres dont mon premier opéra en 2006, pour l’Opéra du Rhin. Quelques autres gros ouvrages. Puis à partir de 2010, un travail plus fidèle avec l’Opéra de Paris. Un ballet, un opéra, un concerto pour violon, avec Renaud Capuçon, Philippe Jordan et l’Orchestre de l’Opéra. Tout ce passait très bien puis il y a eu un « accident terrible »… puisque j’ai été nommé directeur de cette maison !

Tu es donc directeur du Conservatoire National Supérieur de Musique et Danse de Paris. Peux-tu nous présenter cet établissement?

C’est un établissement public du Ministère de la Culture, qui rayonne de façon internationale puisqu’on a environ 20% des élèves qui viennent de l’étranger.

Le CNSM est une école née à la Révolution, comme d’autres grandes écoles françaises. A l’origine, cet établissement supérieur devait former principalement les artistes de l’Opéra de Paris : Les chanteurs, les chefs d’orchestre, les musiciens… Avec l’émergence de la musique de chambre et de la musique symphonique, le Conservatoire est devenu protéiforme.

On y pratique toutes les disciplines de la musique classique occidentale traditionnelle, mais aussi la musique indienne, le jazz, les métiers du son, la danse, la musicologie… En même temps, ce qui est important c’est qu’il y ait des passerelles entre tous ces enseignements et qu’on soit de plus en plus près de la réalité des métiers de la musique. Je pense notamment aux métiers de l’orchestre qui ont été pendant longtemps négligé, car en France contrairement à l’Allemagne, on a plutôt tendance à former des solistes que des musiciens d’orchestre… De par mon expérience internationale, je vois un état d’esprit dans les orchestre américains ou autres, qui n’est pas du tout le notre. C’était donc important pour moi d’inculquer aux élèves qu’un violoniste d’orchestre n’est pas un soliste raté.

Il faut voir qu’au Conservatoire, on a 97% des élèves qui trouvent du boulot à la sortie du CNSM. Par exemple, le hautbois solo du Capitole de Toulouse était encore en deuxième année ici, lorsqu’il est entré à l’orchestre… Maintenant ce qui est très important, c’est que finalement les élèves se sont emparés très vite de certaines pratiques et on est presque en retard par rapport à eux notamment en ce qui concerne l’improvisation, le spectacle, la transdiciplinarité… Il y a des collaborations avec les étudiants des Beaux-Arts, etc. A l’heure actuelle, présenter un récital composé de trois sonates, est une forme de concert presque désuète. Elle est remise en question par l’inventivité des nouvelles générations.

Tu parles de collaborations. Tu as toi même travaillé  avec des cinéastes et plus étonnamment avec des cuisiniers. Tu peux nous en dire plus?

Oui les cuisiniers, c’est très important. On cherche partout des sources d’inspiration et pour la musique, la principale source d’inspiration c’est la musique elle-même. C’est pour cela que je disais que j’aime cautionner le passé : En quoi une œuvre ancienne peut m’inspirer quelque chose d’actuel ? … Néanmoins dans les autres disciplines, il y a beaucoup de choses à prendre. L’architecture notamment. La cuisine ça peut paraître plus anecdotique mais c’est très important pour moi car il y a une immédiateté de la perception gustative qui est similaire à la perception auditive. Il y a un vocabulaire qui est commun, une saveur acide, un son acide. On a des disciplines qui sont basées de plus en plus, notamment grâce à l’Espagne, sur la surprise, sur comment créer une illusion. J’ai travaillé avec Ferran Adria cuisinier d’ el Bulli, ce fameux restaurant de Catalogne. J’ai mis en musique un menu composé en 2007, et j’ai recréé un équivalent d’illusion de ce que lui propose dans les assiettes.

Tu parlais des musiques du passé qui t’inspirent. Est-ce que tu écoutes également des musiques plus actuelles, plus tournées vers la pop ou le rock ?

Je fais une différence entre la musique dont j’ai besoin pour qu’elle m’élève et une musique de consommation, tout aussi excellente soit elle. Que ce soit Earth Wind and Fire ou Stevie Wonder, ce sont des gens que je place parmi les grands musiciens. Mais ça n’est pas un style de musique qui m’élève… On ne va pas comparer Richard Wagner et Stevie Wonder. Je pense qu’on est pour le premier dans une forme d’art, dans une forme de divertissement pour le second. Mais un divertissement poussé à un niveau d’excellence… J’aime bien séparer les deux choses. Pour moi, on est pas du tout dans une rivalité ou une confusion des genres. Mais bien sûr que je suis consommateur des musiques qui nous entourent. De toute façon, elles sont là. Quand on fait ses courses, on entend pas Parsifal… et tant mieux, ça n’est pas le lieu !

Le domaine de la musique classique reflète souvent l’image d’un monde élitiste et vieillot. Est-ce que des actions sont mises en place pour moderniser cette musique et la rendre plus accessible ?

C’est vrai qu’il y a tout un cérémonial en concert, qui peut être intimidant. Personnellement, les concerts d’orchestre en queue de pie, je ne suis pas trop pour… C’est très paradoxal parce qu’on est dans un ministère qui est celui de la Culture et de la communication, et on a pourtant l’impression que la culture et la communication ne font pas toujours bon ménage… On souffre d’un déficit d’information. Il y a très peu de musique classique à la télé, en tout cas, il n’y en a pas assez. Les émissions de Zygel ou autres dépoussièrent la chose, mais elles ne sont surement pas assez nombreuses… Et en France, on est dans un pays qui n’est pas un pays de musiciens. En Allemagne le problème du « côté ringard » de la musique classique, ne se pose pas. En France si, parce que la musique ne fait pas partie de la culture. Il y a très peu de personnalités qui savent lire et qui connaissent vraiment la musique classique. Tant qu’il n’y a pas une élite intellectuelle, politique, médiatique qui dit « La musique classique, c’est formidable ! », évidemment qu’on aura toujours une image un petit peu vieillotte.

Dans mon répertoire de prédilection qu’est la musique contemporaine, la donne est un peu différente car on se bat également contre des a-prioris d’hermétisme… qui sont des a-prioris que l’on arrive à vaincre !

On a beaucoup travaillé dessus ici, au Conservatoire, pour créer une filière de médiation. Le public aime bien qu’on lui explique ce qu’on va jouer. « Voilà, je vais jouer Schubert. Vous avez l’impression de connaître Schubert ? Moi, je vais vous dire pourquoi j’aime Schubert, pourquoi je le joue ». C’est fondamental qu’on ne rechigne pas à donner des pistes à nos auditeurs… Et puis, il ne faut pas oublier qu’ici, on a des musiciens fantastiques qui jouent des œuvres très complexes et qui ont pour certains 15 ou 16 ans. C’est quand même la jeunesse qui porte la musique classique !

On organise 350 concerts par an au Conservatoire. Il faut venir écouter les interprètes de demain, dès maintenant d’autant que ces concerts sont gratuits ! On taxerait pas Molière et Proust de ringard. Il n’y a pas de raison que Mozart et Schumann le soient…

Enfin, quels sont tes projets pour l’année à venir ?

Pour la direction d’orchestre, je suis toujours en partenariat avec l’Orchestre du Capitole. J’ai pas mal de programmes qui s’annoncent avec l’ensemble Intercontemporain notamment à la Cité en mars, avec Brahms-Schenberg. Pour ce qui est de l’écriture, je commence une œuvre pour la Scala de Milan, qui sera une sorte d’hommage à Strauss. Et pour le Conservatoire, faire en sorte que cette maison soit toujours plus dynamique et plus vive !

Copyright Photos : Fanny Leloup

Bruno Mantovani

Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris

]]> http://walkzine.com/2012/12/15/linterview-de-bruno-mantovani/feed/ 0 MANTOVANI walkzine MANTOVANI Bruno MANTOVANI http://walkzine.com/2012/12/09/walkzine-nest-plus-invite-au-chacha-club/ http://walkzine.com/2012/12/09/walkzine-nest-plus-invite-au-chacha-club/#comments Sun, 09 Dec 2012 14:15:41 +0000 Isabelle P. http://walkzine.com/?p=2186 ]]> EVENEMENT ANNULé / CANCELLED EVENT

Bonjour à tous… A J-2 de la soirée WALKZINE, je suis au regret de vous annoncer que l’évènement est annulé… J’en suis désolée et comme je n’apprécie vraiment pas les conditions de cette annulation de dernière minute, j’avais envie de vous faire part des quelques contraintes que j’ai pu rencontrer dans l’organisation de cette soirée, qui n’aura finalement pas lieu… Après tout, un peu de transparence n’a jamais fait de mal à personne… Et autant éviter ce genre de déconvenues à tout contact qui envisagerait d’organiser une soirée dans ce lieu…

D’autant plus qu’après « enquête », ils sont spécialistes en la matière des plans foireux et des annulations…

Les fêtes approchent et je tenais à vous réunir une fois encore avant la fin de l’année, lors d’une nouvelle soirée WALKZINE. Je vous donne donc rendez-vous ce vendredi 14 décembre 2012, à partir de 21h00 dans le somptueux club qu’est le Chacha.

L’occasion de vous retrouver entre amis, de faire de jolies rencontres et de trinquer. Côté « Musique », c’est le talentueux Tiwayo qui sera à l’honneur le temps d’un showcase. Je ne doute pas un seul instant que vous tomberez sous le charme de sa voix cassée, de ses mélodies au rythme chaloupé et aux sonorités venues d’ailleurs.

Une conso. sera même offerte à ceux qui rejoignent la page facebook https://www.facebook.com/Walkzine et qui m’envoient un email à walkzine@gmail.com avant le 12 décembre, pour être sur liste.

Et comme j’ai envie de vous gâter à quelques jours de Noël, les premiers arrivés à la soirée auront droit à quelques surprises… A vendredi!

————- ENTREE LIBRE ————-

Le Chacha Club - 47 rue Berger, Paris Ier

Possibilité de dîner sur place

Tiwayo

]]> http://walkzine.com/2012/12/09/walkzine-nest-plus-invite-au-chacha-club/feed/ 6 FlyerAnnulation walkzine Chacha Chacha2 chacha club http://walkzine.com/2012/12/03/linterview-de-jonas-bowman/ http://walkzine.com/2012/12/03/linterview-de-jonas-bowman/#comments Mon, 03 Dec 2012 21:45:25 +0000 Isabelle P. http://walkzine.com/?p=2171 ]]> Tout commence par un besoin vital de soleil et de mer, après des mois de travail intense à Paris. C’est décidé, je passerai donc un week-end d’août à Marseille, loin de l’agitation parisienne et loin de mon ordi… Mais lorsqu’on est accueillie par une amie artiste, on n’est pas à l’abri de rencontrer parmi son entourage, des personnes de grand talent. Et l’envie d’en savoir plus, est toujours aussi présente, vacances ou pas. Présentations faites et barbecue improvisé, je découvrais donc l’univers du joaillier Jonas Bowman et de Lizzie Koller… que j’ai retrouvé quelques mois plus tard à Paris, en pleine installation. Leur boutique ouvre ses portes officiellement dans deux petits jours à peine…

Jonas, quel est ton parcours? Qu’est ce qui t’a amené à la joaillerie?

Je suis autodidacte. Mon père, le designer John Bowman créait des bijoux en 1988 à Londres et j’ai commencé par apprendre à tailler l’ambre pour ses créations puis à concevoir des montures.

J’ai ensuite racheté un atelier et appris sur le tas, en prenant des conseils là ou je le pouvais, auprès de bijoutiers et perfectionner ainsi ma technique au fur et à mesure.

Comment définirais-tu ton univers, tes créations? 

Je dirai que c’est un poème rock and roll, intemporel. Il y a différentes collections avec des thèmes respectifs : la nature, la liberté (metropolis, birdy), les années folles (charleston), l’architecture, la ville (urban)…..

Plus qu’un bijoutier qui sublime les femmes, tu travailles également avec/pour des artistes de la scène musicale. Parle-nous de tes collaborations.

Imhotep est un acteur de la scène musicale française et internationale. Une figure de la vie marseillaise ou j’ai évolué avant de m’installer à Paris. Nous avons beaucoup parlé de son projet et travaillé ensemble à l’originalité et à la qualité de son bijou-album. Il s’agit d’un scarabée abritant une clé avec son album Kheper.

Pete Doherty porte également nos bijoux.

Enfin, nous travaillons aussi en collaboration avec Danton Eeprom pour son label Foundation. La création du bijoux du label verra le jour l’année prochaine, lors de ses futures sorties.

Pour l’instant le 77 rue charlot ! Mais aussi la Galerie simone, le Progrès, le Silencio, le Candelaria, The little red door…

On vous donne donc rendez-vous ce mercredi 5/12, de 18h à 22h au 77 rue Charlot, pour l’inauguration de la boutique Jonas Bowman : Lien de l’évènement.

Jonas Bowman Jewels

Jonas Bowman

Le nouvel album de Rusconi  »Revolution » est sorti en novembre 2012.

« Il en résulte un album qui reflète les intérêts actuels des musiciens et présente leur créativité d’aujourd’hui. Le piano, la batterie, la contrebasse, les voix, les sifflements, les distorsions, les feed-backs, le space echo, les préparatifs instrumentaux et le magnétophone produisent des chansons, un chaos et des airs improvisés qui s’étaient développés et consolidés au cours de ces deux dernières années lors des nombreux concerts ».

Au-delà du souci et du détail apportés au rendu sonore, Stefan Rusconi, Fabian Gisler et Claudio Strueby accordent une réelle importance à la visualisation de leur art. Ce qui leur vaut des clips tout aussi étranges, qu’ extrêmement travaillés et esthétiques dont « Alice in the sky » qui n’est pas sans rappeller là encore « On the Strip » des Sonic Youth…

CONCOURS // A l’occasion de leur concert le 11 décembre au Sunset/Sunside à Paris, Walkzine vous fait gagner 2 x 2 places. Pour cela, il vous suffit de rejoindre la fanpage https://www.facebook.com/Walkzine et de laisser le commentaire « Rusconi ». Un tirage au sort aura lieu le 8 décembre pour désigner les gagnants.

http://rusconi-music.com/

Jamais à court d’idées et de lieux tendance pour combler ses invités, elle vous donne rendez-vous tous les mercredis soirs de 19h30 à 2h00 au Très Honoré Bar dans une atmosphère feutrée jusqu’au 19 décembre. L’occasion de venir entre amis, de se rencontrer et de décompresser sur les mixs de Tony Vegas ou Tom Costino.

Pour le lancement de son nouveau site Internet, Marie a vu les choses en grand puisqu’une soirée spéciale était organisée à l’Hotel W et que ses convives ont pu apprécier l’intérieur luxueux de ce prestigieux établissement.

A noter également qu’une soirée « Club royal by la Terrazza Martini  » est programmée le 30 novembre prochain… Une chose est sûre. Vous ne vous ennuierez plus pendant vos longues soirées d’automne!

Marie Garreau Events

Vous faites partie du collectif Versus. Pourriez-vous vous présenter?

Seb : Je suis Seb Lawkyz, je suis bassiste-contrebassiste et à l’origine du projet Versus.

Mr Tos : Moi je suis Mr Tos, DJ-platiniste et on travaille depuis un bout de temps ensemble. Je suis également le scénariste du projet.

Et de quoi parle votre projet, justement ?

Seb : L’idée que j’avais envie de développer c’était de faire une bande originale de film imaginaire. Pour que les gens puissent avoir leur propre vision du film. Comme c’est un projet avec plein d’influences, qui vont du hip hop au jazz en passant par la soul et le funk, et qu’on a tous un gros point commun autour des films de la Blaxpoitation comme Shaft,  Sweet Sweetback’s Baadasssss Song, je trouvais intéressant de découvrir l’univers de la Blaxploitation dans un projet musical.

Lorsqu’on s’intéresse à vos parcours respectifs, on se rend compte que vous avez tous une grande expérience de la scène et des collaborations artistiques. Que certains d’entre vous travailliez ensemble sur d’autres projets, je pense notamment à Quincy Brown du collectif Push Up… Est-ce qu’il y a un renouveau dans la branche funk-soul en France ou au contraire, est-ce que vous avez le sentiment d’être dans la continuité de groupes pré-existants ?

Seb : Je ne suis pas certain qu’il y ait un renouveau. Quand je pense à Jî Dru ou Sandra Nkaké qui ont monté Push Up justement, ou dans un autre genre Beat Assaillant ou Hocus Pocus, ce sont des gens qui sont là depuis très longtemps. Cette grande famille de black music en France évolue depuis très très longtemps. Il y a par exemple Juan Rozoff qui a participé à notre projet, qui a fait des albums bien avant nous… Par contre, avant la mode était à d’autres styles musicaux, et je pense que ça a été remis au goût du jour récemment grâce au fait peut-être que des groupes comme Push Up ou Versus arrivent avec des projets différents, où l’on veut raconter une histoire dans un album. Il faut également prendre en considération que l’on est une génération qui a grandi avec le hip hop. C’est quand même une musique qui provoque une énorme frustration, dans laquelle on a samplé la soul et la funk à un point tellement hallucinant, qu’on a pu la jouer qu’avec des machines. C’est frustrant à moment donné d’être juste sur du sampling. Il y a un moment où tu as envie d’avoir un vrai batteur qui fait vivre le truc comme des morceaux d’origine. Si ces morceaux ont été samplés c’est parce qu’on les a adoré. Donc dans le sampling, il te manque quelque chose que tu ne peux retrouver ensuite que dans la construction d’un groupe.

Qu’elle est donc l’histoire de votre projet ?

Seb : Tout se passe autour d’un mystérieux personnage qui s’appelle Mister Blue, que personne ne connaît, que personne n’a jamais vu… mais Mister Blue a un lien avec chaque personnage de l’histoire. C’est vraiment parti d’un délire où l’on s’est créé des noms et des rôles de personnages pour alimenter ce scénario imaginaire. Mr Tos c’est JC le flic véreux, moi je suis Donnie le barman et Tos a combiné tout cela à la sauce Blaxploitation. Tu constitues une équipe avec des malfrats dont tu n’arrives finalement pas à savoir s’ils sont gentils ou méchants.

Ce sont des personnages déjà existants ?

Mr. Tos : Non, ils sont inventés mais comme on est des potes avant tout, on retrouve dans chacun des traits de nos caractères respectifs. Cette histoire, on l’a pensée en trois volets, le premier album présente les personnages, c’est un prologue. Mister Blue envoie une lettre dans laquelle il demande à Donnie le barman, de réunir cette équipe. Pourquoi et dans quel but ? Pour que ce soit le nouveau groupe du bar, soi disant. Mais tu te doutes bien que ça n’est qu’un prétexte… Dans le deuxième album, ce groupe va monter un coup. Dans le troisième, le coup va avoir lieu. Reste à savoir si il passera bien ou mal et c’est seulement à la fin du troisième album que l’on saura qui est Mister Blue. C’était assez intéressant de ne pas raconter toute une histoire sur un seul album… Pourquoi ne pas tout garder et construire les choses de sorte que ceux qui ont eu un affect pour la musique ou le concept aient envie de nous suivre sur l’ensemble du triptyque.

Quelles sont vos influences musicales ?

Seb : Je pense qu’on à tous une grosse base commune dans la black music, au sens très large du terme. Dans la funk avec James Brown et les labels Stax, Motown, Volt, Blue Note. Ensuite, il y a deux grandes écoles dans le hip hop. Dans le groupe, il y a l’école des « Roots » et celle d’ « Herbaliser ». Après Tos, il a un gros appétit dans le dub mais on a un passif commun sur la drum and bass. Nico le batteur a un côté très rock, très Black Keys qu’il aime beaucoup. Mais pour ce projet particulier, la direction artistique était plutôt axée Herbalisers ou Lalo Schifrin en bande originale du film…

Mr Tos : On a un spectre assez large et on a pu s’en servir d’une certaine manière en studio, en prenant les influences de chacun sur leurs instruments. En live également, sous d’autres formes. Par exemple, de ce que je retiens de nos lives c’est que j’ai le sentiment qu’on a une énergie assez rock par moment, qui est amenée par ceux qui ont cette culture là dans le groupe. Par ailleurs, il y a d’autres moments où ça groove… et on arrive à bien mélanger tout ça !

Sur Walkzine, on parle également de lieux parisiens qu’affectionnent particulièrement les artistes. Vous en auriez à nous recommander ?

Seb : Dans l’équipe, on est nombreux à être de gros collectionneurs de vinyles. Du coup, on aime beaucoup un disquaire situé vers le métro Saint-Sébastien, qui s’appelle Betinos. Il a énormément de soul-funk, de vieilles bandes originales de films, de la musique latine, du groove africain. C’est la super synthèse des musiques qu’on aime bien. Betinos c’est un vendeur de musique, mais un vrai passionné. Si tu lui demandes un disque il l’aura, et s’il ne l’a pas, il se débrouillera pour le recevoir très vite. Souvent il te demande si tu connais ça ou ça… Et même si tu connais énormément de choses, il arrivera toujours à te coincer sur quelque chose que tu ne connais pas. Il va prendre le temps de te le faire écouter… Il sait ce sur quoi tu vas être réactif. Pour moi c’est un des meilleurs disquaires à Paris. C’est devenu un pote… Par contre, c’est vraiment le pote que tu ne vas voir qu’en début de mois !

Mr Tos : On aime également un autre shop au Marché Dauphine, celui de Mister Modo qui est beaucoup plus large dans ce qu’il vend mais c’est pareil, il a de très belles surprises. Il y a pas mal de vieux disques et de vieux bouquins, c’est assez surprenant ce qu’on peut trouver là-bas.

Seb : Pour les sorties, j’aime beaucoup la Boule Noire et les très petits lieux pour découvrir des artistes. Je la trouve assez jolie cette salle toute en longueur, avec du parquet.  Je suis assez content aussi que le Trabendo ait réouvert.

Mr Tos : J’ai bien aimé le Carmen également. On y a fait un DJ set avec FIP. C’est un endroit vraiment fabuleux. Mais c’est vrai que quand tu y rentres, tu te dis tout de suite que c’est une ancienne maison close… et puis on t’explique que « Non, pas du tout. C’est une ancienne maison de rencontres! ». Les gens s’y rencontraient mais il ne s’y passait rien… J’ai du mal à y croire. C’est assez décalé par rapport aux mixes ou aux soirées qui s’y passent aujourd’hui !

Pour finir, quels sont vont projets pour la suite ?

Avant la fin de l’année, on sort l’édition vinyle de l’album avec des petits bonus qui n’existeront que dans le cadre de ce vinyle. Après on va commencer à écrire pour la suite… Il y aura également des mixes qu’on aime bien et qui seront en téléchargement gratuit. Et puis on a la tournée qui continue sur la période automne-hiver. Il y aura vraisemblablement la réalisation d’autres clips également car on a la volonté de continuer à collaborer avec Yann Desjardins notre graphiste et de développer d’autres images. Puis en 2014, le deuxième album avec des featurings différents du premier album, des rencontres, des coups de cœur… 

Lors de cette interview, je portais un collier de la marque Cailles de luxe.

Copyright photos : Olivier Samyde

Versus

Vous faites partie des artistes invités à la Convention internationale de la flûte traversière. Qu’est-ce que ce rassemblement de flûtistes évoque pour vous ?

J’étais justement en train de parler à l’ancien éditeur de La Traversière, qui m’avait invité à la première convention de la flûte à Saint-Maur, il y a 20 ans. C’est la deuxième fois que j’y reviens et je crois que c’est la première fois qu’elle est reprogrammée dans les murs de Paris, qu’elle revient au sein même du Conservatoire de Paris, où tous les grands de l’ Ecole française de flûte ont passé leur prix. Moi même j’y ai passé mon prix en 1990, si je ne m’abuse avant que le Conservatoire ne déménage à la Villette. Donc pour moi c’est chargé d’histoire, je suis très ému. 25 ans après y être entré pour mes études, c’est toujours aussi fort et aussi présent. Je crois qu’il y a une grande force, un vrai symbole à rassembler des gens comme Raymond Guiot, Shigenori Kudo et Pierre-Yves Artaud qui est le maître d’œuvre de ce beau programme. James Galway également, qui est probablement le plus français des flûtistes étrangers. Toute cette symbolique nous charge d’émotion. Et il y a un côté bienveillant les uns envers les autres, c’est ce qui caractérise ce que j’ai vécu aujourd’hui.

Durant cette convention, on y présente évidemment la flûte traversière dans le répertoire classique mais on y parle également de jazz, de beatbox, de musique indienne, etc. C’est important pour vous en tant que flûtiste, que le « champ des possibles » de la flûte soit représenté ?

Oui, complètement. On est « les flûtes réunies ». Il y a évidemment la flûte « académique », mais j’ai personnellement essayé d’aller au-delà, de chercher le contact avec la musique contemporaine, la musique de chambre, la musique baroque, le jazz, les musiques ethniques et je continue à explorer tout cela. Je pense que c’est important de présenter des artistes qui se développent dans des techniques comme celle du beatbox, qui n’existaient pas il y a quelques années. Ce sont des gens très créatifs qui inventent de nouvelles techniques et qui vont permettre aux générations suivantes d’évoluer naturellement. Pour eux, ça fera partie de leur paysage flûtistique. Pour ma génération, c’est quelque chose de complètement nouveau et exotique, c’est très intéressant. Quand j’entends certaines choses, je sais que je ne suis pas capable de faire cela et que je n’ai pas le temps d’y consacrer suffisamment d’énergie pour maitriser cette technique là. On a pas besoin de tout savoir faire… mais je crois que ce qui est bien, c’est qu’on réunit des gens qui maîtrisent parfaitement ce qu’ils font. C’est une façon de montrer aux jeunes qui sont là qu’on a plein de façon de s’exprimer à travers un instrument.

Vous avez d’ailleurs enregistré il y a quelques années l’album « Into the blue » avec le pianiste de jazz Jacky Terrasson. Vous pourriez nous parler de votre affection pour le jazz ?

Oui, j’adore ! Quand je suis dans la voiture, quand je rentre chez moi, sur mon Ipod c’est du jazz à 90%.  C’est génial de composer la musique en même temps qu’on l’interprète. Pour moi, ça rend l’approche de l’interprète en musique classique beaucoup plus valable. On apprend vraiment à reconnaître de quoi est faite la texture de la musique. Quel est le langage ? quels sont les éléments, les épices que le cuisinier/compositeur met dedans ? Comment il les dose ? A partir de quels moments il reste dans la structure ? A partir de quels moments il s’en échappe ? Quelles sont les notes importantes, les inflexions ? Où est-ce qu’il y a de l’expression et pourquoi ? Qu’est-ce que cela signifie ? De Bach à la musique d’aujourd’hui, lorsqu’on travaille avec des musiciens de jazz, ce sont des choses qu’on comprend rapidement. Où alors c’est qu’on n’était pas en train de travailler avec eux, mais qu’on travaillait à côtés d’eux.

90% de jazz dans votre Ipod donc. Que renferment les 10% restants ?

Il y a du classique, des montages en cours de mes projets personnels, des grands trucs de pop, des songbooks américains, des choses ethniques avec des rythmes que je ne comprends toujours pas… C’est difficile lorsqu’on se limite aux rythmes binaires et ternaires, de comprendre les rythmes du monde. Il faut se rendre compte que lorsqu’on apprend la musique classique, on se limite aux accords de 3, 4 voire 5 sons. Quand on travaille la flûte, on joue des arpèges de 3 ou 4 notes, des gammes ascendantes et descendantes, des gammes chromatiques, mais on ne travaille pas de gammes be bop ou autres… A l’inverse, un gamin qui grandit là-dedans, il trouve tout de suite les clés qui fonctionnent. L’horizon est bien plus large que celui que l’on veut bien voir à travers la fenêtre de l’enseignement traditionnel classique.

Quels sont vos derniers coups de cœur musicaux ?

Il y a un truc avec John Coltrane et Miles Davis, et un piano… Je l’ai entendu dans un restaurant et il y a eu une panne du Cd, du coup ça revenait toujours au début ! Une introduction avec beaucoup de notes au piano, puis au saxophone et tout à coup, un « mi » à la trompette qui reste et qui persiste. Je ne sais pas comment s’appelle ce morceau… C’est quelque chose qui me fascine. Lorsque certains musiciens ont cette énergie et que dans la même pièce, on a un type qui joue la simplicité à fond. C’est tout aussi génial bien que sur des registres complètement différents. Au final ça sonne, ils arrivent à jouer ensemble et à s’entendre. Pour moi c’est une grande leçon, pas seulement de musique mais aussi d’humanité.

Sinon, on vient de travailler à Berlin avec un chef que j’aime beaucoup, qui s’appelle Ivan Fischer. On a fait une symphonie de Dvorak, des pièces de Stravinsky et Prokofiev pour orchestre… C’était super, c’est vraiment une façon de faire de la musique qui élève le débat. Qui fait qu’on s’écoute les uns, les autres. Qui fait que les musiciens sont là, de façon rassemblée et poétique à la fois.

Vous êtes connu pour être un musicien extrêmement charismatique sur scène. Est-ce qu’il y a des artistes qui vous surprennent encore, vous bluffent par leurs prestations scéniques ?

Oui beaucoup. Je crois que je suis particulièrement sensible à ça… C’est vrai qu’on m’a dit plusieurs fois, même lorsque j’étais gamin, que j’avais une certaine présence sur scène… Je ne sais pas, en tout cas, j’ignore ce que c’est que de me voir sur scène forcément ! Et je n’aime pas particulièrement regarder les vidéos sur lesquelles je suis…

Mon rôle c’est de communiquer ce qu’ est la fantaisie et la pensée du compositeur au moment où il a écrit. De redonner de la vie à la partition, à ce moment là à travers la flûte. Donc ça peut être par l’expression, par le rythme, par la sensibilité, par la force, etc. Il n’est pas question de faire du grand spectacle parce qu’il y a des gens qui font ça beaucoup mieux que nous, mais c’est une façon de vivre la musique et d’occuper l’espace.

Et il y a beaucoup d’instrumentistes et de chefs d’orchestre qui m’impressionnent. J’ai le privilège de faire à peu près les projets que je veux faire lorsque je suis en tournée, en solo et quand je suis à l’orchestre de Berlin, j’ai la chance de travailler avec des gens comme Ozawa, Abbado, Barenboïm. J’ai travaillé avec Kleiber. Je citais Fischer. Ce sont des chefs que j’aime beaucoup pour ça parce que quand ils sont là, par leur seule présence, tout le monde joue autrement sur la scène et tout le monde écoute dans la salle. C’est comme s’ils étaient un prisme, que la lumière arrive, qu’ils la changent et qu’ils obligent les gens à voir autrement. C’est ça qui est fascinant ! De la même façon que certains acteurs de cinéma crèvent l’écran et passent inaperçus dans la rue. C’est une question de nature, mais également de savoir ce que l’on fait au moment où on le fait, lorsque l’on est sur scène.

Cette sensibilité et cette justesse dans l’émotion que vous transmettez, elles viennent d’où ?

Je vous laisse la responsabilité de le penser ! … La justesse dans l’émotion ? Disons que l’émotion c’est une des formes d’expression de la musique. L’ air de Lensky de Tchaïkovski est chargé en émotion. Il apprend qu’il va mener un duel et que ça va être son dernier combat, parce que sa mort est programmée. Il refait le film de toute sa vie. Les printemps, les étés, les automnes, les hivers reviennent. Les amours, les espoirs, les désespoirs… Une fois qu’on a eu le texte, qu’on se l’est fait traduire, qu’on comprend où sont les inflexions vocales et qu’on les retrouve dans la partition harmoniquement, la façon dont les mélodies sont menées, c’est pas sorcier ! Dans la musique d’opéra, on a un texte qui sert de support, de raison d’être même de cette musique. Dans la musique plus instrumentale – qui n ‘est donc pas soumise ni à l’autorité supérieure d’une divinité, d’une religion, d’une danse – comme c’est le cas chez Frédéric Le Grand ou Carl Philippe Emmanuel Bach dans mon dernier projet, c’est une génération qui s’affranchit de tout cela, qui commence à essayer de s’exprimer mais qui n’est pas encore libertine comme Mozart… Là, il faut trouver un équilibre entre style, justesse de ton et les moments où ils se lâchent de façon maladroite parce qu’ils ne savent pas vraiment encore le faire… La musique est un organisme qui est vivant, qui a ses phases, ses âges et qui renaît. Il y a un renouvellement permanent qui est le propre de tout organisme vivant. C’est ça la musique, un spectacle « vivant ». Et avec un enregistrement c’est la même chose. Lorsque les gens achètent un disque, ce Cd est la photo d’un moment précis mais lorsqu’ils l’écoutent quelques années plus tard, cette photo prend une toute autre valeur. Si je prends certains enregistrements qui datent de mon adolescence, il y en a certains qui vont me revenir comme je les avais enregistrés, d’autres que j’ai complètement déformés dans ma mémoire, parce que j’ai évolué. En les jouant, ces œuvres ont évolué sans que je m’en rende compte. A chaque fois, on recommence à zéro. A chaque fois que l’on monte sur scène, on se met à nu devant le public, on se remet en question.

Lorsqu’on est Emmanuel Pahud, que l’on a votre parcours, votre carrière de soliste, votre expérience d’orchestre… Qu’est-ce qu’on espère encore ? Qu’est-ce qui fait qu’on est encore animé par l’envie d’aller encore plus loin ?

Oh, ça n’est pas l’appétit qui me manque ! Je ne suis toujours pas arrivé à la satiété. J’ai encore une vingtaine, voire une trentaine de projets discographiques ou en tournées, qui me semblent essentiels pour compléter mon panorama musical à travers la flûte. Si j’ai la santé et la forme, si je travaille, j’y arriverai peut-être, c’est l’avenir qui nous le dira. J’étais en tournée aux États-Unis et au Canada et j’avais également l’opportunité de partager mon expérience avec les étudiants. Je n’ai pas du tout la fibre pédagogique, institutionnelle du moins, je suis plutôt même en désaccord avec l’évolution du cursus musical tel qu’il se déroule ces vingt dernières années, mais par contre, j’ai beaucoup de bonheur à partager toutes ces expériences que j’ai pu accumuler… C’est une question que l’on me posait déjà il y a vingt ans lorsque je suis entré à l’Orchestre de Berlin ! Mais on commande des nouvelles pièces, des créations… La prochaine ce sera une pièce de Philippe Hersant avec l’Orchestre de chambre de Paris. En août, j’ai un projet de Bechara El Khoury avec un autre orchestre parisien. A Londres, je ferai avec un des orchestres de la BBC une commande de Simon Holt. Le mois dernier, j’ai fait la première européenne d’un concerto pour flûte de Jörg Widmann, un compositeur allemand très talentueux. J’ai déjà à peu près une dizaine d’œuvres à mon actif. J’espère en stimuler d’autres en musique de chambre, en solo aussi. Ce sont des choses qui se présentent naturellement mais qui font partie d’un kaléidoscope musical que j’avais, c’est un puzzle. Quand on m’a demandé en 1995 chez EMI ce que l’on pourrait bien faire avec flûte, le lendemain matin, je leur envoyais une liste d’une cinquantaine de projets de Cd et des idées de programmes. Ça a été très vite nourri et l’appétit est toujours là !

Vous me parliez de votre désaccord avec l’enseignement « académique » de la flûte, de la musique en général. Qu’est-ce qui vous dérange ?

A l’heure actuelle, j’enseigne uniquement dans l’académie de l’orchestre à Berlin, qui nous permet de recruter sur concours pendant deux ans, des musiciens qui ont terminé leurs études et qui ont moins de 25-26 ans. Ce sont des personnes qui ont commencé leur cursus très jeunes. Avec les cursus d’aujourd’hui, il y en a de moins en moins qui ont l’âge requis en fin de parcours. On étudie beaucoup plus longtemps aujourd’hui, avec des structures universitaires, on s’américanise beaucoup alors que pour la musique comme pour le sport, il faut recruter les jeunes. S’ils expriment un talent ou une envie dans une direction, il faut les soutenir. C’est à ce moment là qu’on peut tout apprendre. Ça n’est pas en intégrant un cycle supérieur post-bac à vingt ans passés, que ça va rendre les choses plus faciles. Il y aura toujours des jeunes plus doués qui seront rentrés dans le métier d’une autre façon…

Si Emmanuel Pahud n’avait pas écouté les concertos de flûte joués par son voisin lorsqu’il était petit, qu’est-ce qu’il aurait fait ?

J’aurai bien aimé être pilote de chasse ou sportif automobile. Un truc de vitesse et de contrôle. Etre à la limite. Se demander sans cesse : « Est-ce que ça va tenir ? Est-ce que ça risque de ne pas tenir ? ».

Comme avec la flûte, en définitive ?

Oui, sur la flûte c’est un petit peu la même chose ! Est-ce que je vais arriver à tenir le mezzo forte, à ne pas aller vers le forte… ça peut aller dans l’autre sens. Ça veut dire aussi être dans le contrôle et avoir une trajectoire la plus « parfaite » possible, bien qu’elle ne le soit jamais pour moi car je pense être la personne la plus critique à mon égard. Ça m’a d’ailleurs permis de bien prendre la plupart des situations quand je lis une critique dans un journal. En général, ces personnes parlent plus d’eux-mêmes que de ce qu’ils ont vus… Quand on a confiance en son art et dans la justesse du projet que l’on porte, je crois qu’on ne se laisse plus trop irriter par les critiques qu’elles soient positives ou négatives… Après, il ne faut pas se leurrer. C’est bien d’avoir une certaine popularité dans le milieu de la musique classique, mais ça n’a rien à voir avec le monde du cinéma, des people de la télévision qui sont plus connus parce qu’ils sont partis sur une île déserte, alors que nous on travaille depuis trente ans !

Justement, même si on n’est pas spécialiste de cinéma ou de sport, on connaît généralement les grands acteurs, les grands réalisateurs, les grands sportifs. On ne peut pas en dire autant des musiciens classiques. Comment expliquez-vous ce fossé en terme de médiatisation ?

Il faut voir les choses en face. Dans une salle de concert classique, il y a 100 personnes sur scène environ lorsqu’il s’agit d’un orchestre. Dans le rapport le plus efficace, il y a un pianiste sur scène à Pleyel par exemple et 2000 dans la salle maximum. Dans un stade de foot, vous mettez 3 types aves des guitares électriques, des amplis et 100 000 personnes. C’est une réalité économique, les retombées sont différentes… Le sponsoring fonctionne autrement. Si j’appelle un sponsor pour lui demander de soutenir mon festival de musique de chambre à Salon-en-Provence, avec ma jauge de 500 places, ça ne va pas l’intéresser. Je vais lui dire qu’on a 5000 spectateurs – en imaginant que ce sont des personnes différentes – sur une semaine de 10 concerts, alors que c’est ce qu’on fait en 2 soirs dans une grande salle parisienne… Il faut mettre les choses en relation. Si une personne passe à la télévision, elle est vue par des millions de personnes. C’est le cas du cinéma, du sport… ça n’est pas pour rien que les sponsors sont toujours les mêmes pour les coupes du monde de foot, pour les jeux olympiques… C’est du gros business, mais ça marche parce que c’est public.

Un dernier mot pour conclure cette interview ?

Il faut y croire ! Il faut surtout croire à ce qu’on fait sinon ça n’a pas de sens. Je pense que c’est quelque chose qu’ont en commun les grands artistes, les grands sportifs, les grands acteurs. Etre sur scène comme on est dans la vie, oublier tout le travail qui est fait et tomber le masque, tout en ayant une carapace de dinosaure ou de crocodile pour être très résistant aux différentes intempéries et aux flèches qui pourraient arriver de tous les côtés. Essayer d’être le plus vrai et donc le plus touchant possible.

Copyright Photos : Cheick Touré

Remerciements à Pierre-Yves Artaud

Emmanuel Pahud

La Traversière

Festival de musique de chambre de Salon-en-Provence

Hier soir, je faisais donc partie des quelques privilégiés à découvrir en live le nouveau projet du talentueux Mathieu Chedid. Avant même qu’il ne soit sous la lumière des projecteurs, il nous demande de sa voix reconnaissable entre mille, de nous asseoir au sol. Inutile de vous dire qu’étant déjà tous serrés debout, le passage en position assise est des plus périlleux… Mais c’est à croire qu’il aime exercer ce pouvoir sur son public puisque les milliers de festivaliers venus l’applaudir en clôture des Solidays 2010 avaient subi le même sort!

Et c’était sans compter l’arrivée d’un homme – valise à la main et guitare rose au dos – traversant tant bien que mal la foule assise. Cet « élément pertubateur », qui n’est autre que le grand Nicolas Le Riche – danseur étoile – assure l’introduction du show, par des mouvements chorégraphiques venant sublimer quelques chansons de – M - savamment choisies. Tour à tour, il enfile les différentes vestes emblématiques et la perruque du chanteur, parcourant ainsi ses différents albums. Puis semblant désigner au hasard une jeune femme dans l’assistance, elle le rejoint… On comprend alors très vite par sa souplesse et leur corps-à-corps, que le hasard n’a pas sa place ici ! Il s’agit en effet de son épouse, la danseuse étoile ClaireMarie Osta qui vient apporter une touche de féminité et un peu plus de délicatesse encore, à cette introduction toute en finesse et légèreté.

- M - et ses musiciens font leur entrée. Pas de nouvelle coiffe pour le chanteur, mais une paire de lunettes extravante, de par sa forme en M et sa couleur argentée, aux effets de miroir… Et une veste au col en fourrure et aux incrustations de sequins dorés, qui m’a donnée bien des envies de customiser la mienne. A noter que ce nouveau look a visiblement été concocté par le talentueux James Thierrée (immense danseur-acrobate et petit-fils de Charlie Chaplin).

Sans plus attendre, le déjà célèbre et euphorique Mojo est lancé… et la chorégraphie de mise!

S’en suit une reprise de Et moi, et moi, et moi de Jacques Dutronc. Puis La vie tue qu’il interprète au piano, et le plus déjanté Faites moi souffrir. Je dis Aime est repris en coeur et on retrouve un peu de notre âme d’enfant avec La Seine. Océan nous transporte du côté de la Réunion, et comme pour s’imprégner un peu plus encore de cette chorégraphie endiablée, le concert s’achève sur un playback de Mojo.

Mêlant anciens et futurs tubes, on découvre donc un nouvel album résolument plus rock. On assiste ici et là, à des solos de guitare dignes du grand guitariste qu’est Mathieu Chédid et ses musiciens ne sont pas en reste. Il faut dire qu’il sait bien s’entourer  :  Brad Thomas Ackley à la guitare/basse et Lawrence Clais à la batterie… Cerise sur le gâteau pour la musicienne classique que je suis, Jean-Christophe Spinosi – chef d’orchestre et violoniste français, fondateur de l’ ensemble baroque Matheus et son contrebassiste rejoignent  - M - sur scène, le temps d’un titre. Preuve une fois de plus, qu’on peut être spécialiste d’un domaine tout en s’interessant aux autres, et que le talent n’a pas de frontière stylistique ! Merci à eux.

On attend maintenant avec impatience la sortie de l’album ce lundi 12 novembre…

Remerciements à Barclay/Universal

http://www.labo-m-music.com/

http://www.ensemble-matheus.fr/

http://www.104.fr/

Nos deux wonderwomen ne se sont pas arrêtées en si bon chemin puisque toutes ces photographies ont été rassemblées dans un livre et à l’occasion de sa sortie, Walkzine vous recommande la soirée de lancement, ce jeudi 8 novembre. L’occasion de s’y rencontrer dans une ambiance festive, colorée et décontractée!

19H-22H
Lancement du livre chez Sergeant Paper
38, rue Quincampoix 75004 PARIS
01 42 77 12 46

22H-2H
Afterparty au Workshop/mix de Piu Piu
173 rue Saint Martin, 75003 Paris
06 83 39 08 72

Les Nanas d’Paname

Quels sont tes artistes ou compositeurs de référence ?

Ravel, Steve Reich, Stravinsky. Je n’aime pas trop les romantiques. Il y a aussi  Schnittke, Berg… En jazz, Roland Kirk, Monk, Coltrane. Je ne suis pas un Parkérien, j’ai beaucoup de respect pour ce que fait Charlie Parker mais ça ne me touche pas… Pat Metheny… Ils sont nombreux ! Et pour ceux eux qui m’ont parfois aidés à mettre mes idées en perspective, il y a Miles (Davis) beaucoup, Morton Feldman, Bach, Steve Coleman… Bo Van Der Werf le saxophoniste du groupe belge Octurn avec lequel on a pas mal travaillé sur des éléments de théorie dans la musique.

Alternate Steps ton dernier album, a été enregistré en 2010. C’était une volonté d’attendre deux ans pour sa sortie ?

En fait, j’ai enregistré deux albums dans la foulée. J’ai fait Short Cuts et Alternate Steps, à un mois d’intervalle. J’allais partir à la Villa et c’était bien que j’ai des albums d’avance. Il y allait avoir des changements dans l’orchestre et je voulais profiter des derniers moments avec mes musiciens. Je savais aussi qu’il y  aurait des changements dans ma musique, du fait que je parte à la Villa Médici. La Villa, c’est une retraite, un moment où on se retrouve face à des contextes internes. Et puis j’ai fait le choix de diviser, même si je n’aime pas ce mot, mes productions musicales entre les compositions dont le matériel vient d’abord d’une idée musicale, et celles qui proviennent d’une idée conceptuelle, où on définit les éléments musicaux à partir de ce que l’on attend d’eux. Ensuite, l’artisanat et l’intuition viennent par-dessus. Ça peut être beaucoup de variations et de déclinaisons du même principe.

En ce moment par exemple, je me demande comment représenter par le dessin, l’expression de quelqu’un, de la façon la plus simple. Alors évidemment quelqu’un qui ne connaît pas l’histoire est condamné à la répéter, et je répète sûrement plein de choses qui ont été faites, mais en tout cas c’est une expérience que je fais, moi. J’ai d’abord eu une réflexion sur ce que j’allais utiliser, mais ça ne me sert pas ensuite dans la musique. Ça n’a pour but que d’entretenir ma nature qui est d’enlever les choses et de trouver la façon la plus simple pour exprimer les choses. Je suis hyper étonné que dans le résultat, il y ait des choses qui ait de l’expression. Les XP c’est la même chose. Des éléments très simples qui génèrent une certaine richesse. Ça ne m’aide pas mais ça participe de mon processus créatif… J’écris aussi pas mal de textes et de musique que je n’ai jamais publié ou fait jouer. Le seul fait de le faire me satisfait. Ça explique aussi mon rapport bizarre avec le public. Je trouve que l’art c’est avant tout un geste vers « pas-soi ». J’ai toujours du mal à comprendre les artistes qui veulent te montrer leur univers, ça me fait penser à ces enfants qui veulent absolument te montrer leur chambre. Tu vas chez des gens et s’ils ont un enfant, systématiquement il va te demander « Tu veux voir ma chambre ? ».

J’aime bien Klee ou Kandisky parce que je trouve que leur expression artistique est une fenêtre sur quelque chose dont ils sont peut-être eux-mêmes spectateurs. J’aime bien me retrouver dans la position où il y a quelque chose qui m’échappe dans ce que j’ai fait. C’est pour cette raison que je n’ai jamais de doute dans le résultat final, de ce que j’ai fait. Je ne suis pas à me demander si c’est bien ou mauvais, parce que quelque part l’expression artistique n’est pas une surface dans laquelle je me regarde. C’est pour cela que je n’aime pas cette relation bi-latérale ou diptyque avec le public. Dans le jazz la présence de l’autre est vraiment importante, elle participe réellement du processus créatif et de l’œuvre. Alors on pourrait dire que dans la musique écrite aussi puisqu’il faut bien qu’elle soit exécutée, mais elle l’est par rapport à quelque chose de plus fini et abouti.

Qu’elle serait donc pour toi la configuration idéale d’un concert ?

Je crois que l’art n’est pas fait pour les gens. En tout cas dans la position de celui qui fait sa musique, j’ai l’impression qu’on ne fait pas ça pour les gens, mais pour exister tout simplement, pour être manifesté sous une certaine forme. Ces trucs là quand je les regarde (il me montre ses dessins) ça participe de quelque chose de tellement plus entier et profond, que l’interprétation que je vais en faire et de ce que ça va susciter, que je trouve que le regard de l’autre est destructeur par rapport à la création.

Et pourtant, tu m’as spontanément montré tes dessins… Pourquoi ?

Parce que justement c’est ça, on est fait de contradictions ! Peut-être que les choses en ont besoin et que c’est comme cela qu’elles finissent par exister réellement. En s’usant de regard en regard, de culture en culture…

Il y a un besoin, voire un plaisir dans la destruction et l’usure ?

C’est comme ça que l’enveloppe s’en va pour qu’il ne reste que l’essence, que le geste, que le moment que l’artiste a passé à créer. Quand on réfléchit à toutes ces choses qui ne nous parviennent jamais, la création n’est pas l’apanage de l’homme. La nature est sans cesse en train d’inventer, de créer, de jouer… Les formes s’usent, les espèces animales évoluent et pourtant il reste toujours des similitudes entre ce qui disparaît et ce qui vient après. Dans l’acte créateur, je pense que c’est pareil. A chaque fois que je suis fasciné par une œuvre, c’est parce que l’artiste a ouvert une fenêtre pour nous deux. Une fenêtre où on est créateur, tous les deux. Moi, je suis créateur de l’espace que j’ouvre en moi pour que l’œuvre vibre et il me laisse cette responsabilité. Mais je peux aimer à plusieurs niveaux. Je peux aimer quelque chose parce que ça me conforte dans mon côté grégaire, dans mon incarnation. Je vais écouter de la musique en faisant la vaisselle, etc… c’est toute cette musique qui participe de notre réconfort. Par contre, je pense qu’une vraie œuvre d’art, c’est une œuvre qui te place au-delà de ta condition. Tu ressens quelque chose qui ne va pas te ramener à toi-même ou à un souvenir, mais qui va te placer devant un positionnement ou des questionnements qui vont ouvrir sur des incertitudes. Pas forcement vers l’instabilité. Au contraire, ça peut être quelque chose qui te pose.

Quel est ton rapport à ton instrument ? A la musique ?

En fait, cette question n’a pas trop de sens pour moi. Je n’ai pas de relation avec mon instrument. Je connais beaucoup de gens qui ont un univers relationnel avec leurs parents. Moi je n’ai pas de relation avec mes parents. Ce sont mes parents, et petit à petit se sont devenus des gens. C’est beau. Je trouve ça bien d’avoir été très tôt, quelqu’un d’assez autonome. Il n’y a rien entre nous qui va passer sous le prisme de l’analyse relationnelle. Avec ma flûte ou la musique, c’est pareil. C’est juste quelque chose qui fait partie de la façon dont cette vie se manifeste pour moi.

Je trouve que la musique est belle en soi et ça engage parfois en moi des choses tellement mystérieuses… même lorsqu’on passe par le contrôle, il ya des choses qui nous échappent. « Je vais concevoir des XP. Je vais essayer de trouver des objets minimaux qui vont traduire des informations. Quelle est cette information ? Dans quelle musique ? Ok, on parle du système tonal. Pour moi, que représente le système tonal ? Comment je vais me le formuler, de sorte qu’il me corresponde ? Donc minimaliste. Je vais chercher. Je vais trouver des éléments ». Je fais de la musique avec des outils très définis, des contours très nets, des idées très claires. Et parfois, je vais composer la musique comme un horloger. J’aime cette image de l’horloger car c’est le métier que je voulais faire quand j’étais gosse. J’aime quand je fais quelque chose, que je puisse ensuite le regarder comme une montre, comme un petit mécanisme de choses qui ont du sens les unes avec les autres. Que le tout soit cohérent. J’ai beau contrôler tout ça, à la fin je suis toujours surpris… Par le facteur humain, également. La façon dont il intervient dans une aventure musicale. Tous les gens que j’ai croisé, qui font partie des projets… C’est miraculeux de voir qu’il y a quelque chose qui s’exprime envers et contre nous. Je suis de plus en plus fasciné par ça… Je n’ai pas de relation conflictuelle avec ce que je fais. Ça n’a jamais été une source d’angoisse. Des incertitudes oui, des moments de flottements. Mais j’ai confiance en l’art.

Quels sont tes projets ?

Des disques que j’ai en tête. Pour le prochain disque que je suis en train de préparer avec Bee Jazz, j’ai envie de faire quelque chose autour de l’électro avec Gilbert Nouno, DJ Oil, Hubert Motteau, le premier batteur que j’ai eu avec le premier projet du Magic Malik Orchestra, HWI Project. Par-dessus le travail de studio, je vais écrire des choses pour les voix, les cuivres. J’ai envie de faire quelque chose qui se place entre l’électronique, la transe, le jazz et la musique contemporaine. Un truc un peu borderline. J’ai également envie de laisser plus de place et d’initiatives aux gens qui vont participer au projet…

Lors de cette interview, je portais un collier de la créatrice Ennata Auclair – bijoux multiethniques.

Copyright Photos : Olivier Samyde

https://www.facebook.com/magicmalikmagic

Est-ce que Malik Mezzadri pourrait nous présenter Magic Malik ?

En fait, non parce que ni l’un ni l’autre ne peut servir à l’introspection de l’un ou de l’autre, car ni l’un ni l’autre ne s’identifie à son nom. Magic Malik c’est un surnom que m’a donné mon premier manager pour des raisons d’accroche. C’est un nom d’artiste.

Mais justement, qui est cet artiste ?

Je ne sais pas qui je suis, je n’en ai aucune idée. A chaque fois que j’essaie de le définir, ça se résume à des choses assez changeantes. J’ai du mal à me cerner. Je sais une chose, c’est que j’aime beaucoup l’expression artistique, à travers la musique en premier lieu parce que je trouve que c’est un des cadeaux les plus fascinants qui ait été fait à l’homme. C’est quelque chose d’unique et de particulier à l’humain, la musique. Elle a à voir avec le son, la vibration qui va au-delà de notre condition humaine. Le son, il existe avant nous et après nous, donc il se manifeste à travers nous d’une façon particulière. En ce moment, ça m’intéresse de savoir comment par la musique, on pourrait arriver à exprimer quelque chose qui pourrait transgresser la condition humaine. De la même façon qu’il y a certains détails qui transgressent le règne par lequel ils expriment… Je me demande à travers la musique s’il n’y a pas un moyen de faire en sorte qu’il y ait quelque chose qui soit lié à nous – l’être social fait d’émotion – et connecté avec quelque chose qui dépasse cela… Mais pour revenir à Magic Malik, je ne saurai rien dire de précis sur lui.

Comment s’est fait le choix de la flûte traversière ? Puis de la flûte dans le jazz ?

J’ai commencé la flûte à 6 ans… c’est un instrument qui m’a été proposé par ma mère. La flûte à bec, puis la flûte traversière. Il se trouve que c’est l’instrument par lequel j’ai été amené à devenir improvisateur et interprète, mais ça aurait pu en être un autre. Pourquoi le jazz ? Parce que c’est une discipline qui place l’interprète dans une posture de compositeur. Je trouvais cela intéressant…

Tu as suivi un cursus classique et été médaillé du Conservatoire de musique de Marseille. L’enseignement « académique » que tu as reçu a été un frein ou au contraire un accélérateur dans ton parcours ?

Ça a été un accélérateur. J’étais à l’âge où tout est décuplé,  17-18 ans avec un mec super qui s’appelle Jean-Louis Beaumadier. Quand j’étais petit, j’ai reçu l’enseignement de la musique comme un cours de poterie… Je n’avais pas du tout cet aspect de l’apprentissage de la musique, comme c’est le cas dans les institutions pédagogiques où c’est vraiment l’école. Il y a un côté hyper scolaire – même si ça n’a pas que des inconvénients – qui éloigne le musicien de quelque chose d’intuitif et ludique. Il faut également avoir conscience que dans la vie de musicien, on peut tout remettre en cause du jour au lendemain. Et je trouve que ces institutions ne favorisent pas ces remises en question, l’introspection… Du coup pour moi, ça a été un accélérateur car j’avais vraiment envie d’apprendre. L’enjeu pour moi n’était pas de passer un diplôme mais de jouer de mieux en mieux des œuvres classiques, d’acquérir une technique, d’exprimer un certain lyrisme, des émotions…

Pour ce qui est de l’intuition par exemple, j’ai tendance à penser qu’elle vient lorsque le corps peut réellement résonner avec le langage qu’on utilise.  Et pour que le corps puisse résonner avec un langage, il faut qu’il l’ait totalement assimilé, de façon vraiment prononcée, pour que l’intuition puisse s’exprimer ensuite de façon magique et naturelle.

Mais maintenant, je ne travaille plus trop la flûte. Je l’ai beaucoup travaillée à un certain moment lorsque je devais assimiler des idées. C’est aussi ça qui est intéressant lorsqu’on est instrumentiste et improvisateur, c’est qu’il y a une incarnation des idées. Il faut les assimiler physiquement. C’est assez rare, il y a peu de domaines où l’on fait ça… Actuellement, je ne la travaille plus, je la joue. Je la déguste sans y mettre d’autres choses que l’envie d’y prendre un certain plaisir.

La flûte traversière est assez peu connue du grand public, en dehors du répertoire classique. Est-ce que tu te considères comme un «ambassadeur » dans le fait de populariser cet instrument ?

Je n’ai pas forcement eu une démarche très popularisante, en tout cas sous mon nom. Je n’ai pas été motivé par autre chose que de trouver des réponses aux questions que je me posais. Après, comme je suis quelqu’un de curieux et de nomade, mon nomadisme s’est exprimé dans mes collaborations. Donc c’est vrai que j’apparais dans des groupes comme Hocus Pocus par exemple, mais je peux être dans des groupes plus hermétiques, où il faut certaines clés pour pouvoir accéder à certaines perceptions.

Tu parles de ta collaboration avec Hocus Pocus. On peut également citer M, Camille, Air entre autres….. Parallèlement, tu intègres l’an dernier la Villa Médici. Que t’apporte cet éclectisme ?

Je pense que ça doit apporter la même chose qu’à une caisse de résonnance qui sait qu’elle peut faire vibrer toutes les cordes qui la forment.  C’est juste un moyen de mettre en vibration et de conforter non pas forcement ce que j’ai de plus divers, mais au contraire ce que j’ai d’unique. Cette multiplication des aventures, me permet de me centrer. Ça n’est pas une dispersion, c’est au contraire la vibration d’un tronc commun.

Ça te permet de mieux te connaître également?

Ça me permet d’entretenir mes articulations au même titre que des exercices, du yoga… Je pense que c’est important de faire plein de choses, en musique et en art tout court. Non pas pour être un spécialiste de tout, mais pour vivre. Ça n’empêche pas qu’il faut être conscient de son tronc commun qui tient le tout. Je ne vais pas chercher quelque chose d’essentiel dans les collaborations. C’est juste du mouvement autour de ce qui est fixe chez moi, et qui s’exprime plutôt dans les projets sous mon nom.

Tu peux nous parler de ton expérience à la Villa Medici et de ta collaboration avec Gilbert Nouno ?

En fait, j’y ai été il n’y a pas longtemps. J’y suis allé jouer avec un compositeur qui s’appelle Francesco Felidei. Tout ça pour dire que cette aventure n’est pas terminée! Tout d’abord, j’ai tenu à rencontrer ceux qui venaient après nous. J’y suis retourné en juin car j’avais une commande à faire pour le Festival d’art lyrique d’Aix-en-Provence. Je trouve que l’aventure est complète que si on se place dans une continuité… donc j’ai un peu connu ceux qui partaient et j’avais envie de connaître ceux qui arrivaient après.

La collaboration avec Gilbert, c’est une longue collaboration. Ça fait dix ans qu’on travaille ensemble mais c’est autour d’un aspect particulier, une certaine partie de ma musique qui s’intéresse à des problèmes formels, qui cohabitent bien avec l’outil informatique. Ça nous intéressait de travailler autour du rôle et de la présence d’un ordinateur en tant qu’interprète et improvisateur, dans un ensemble fait d’humains. L’ordinateur n’est jamais soumis à des habitudes, donc quand il improvise c’est très pur quand il se met à improviser… Il y a une partie de ma musique  qui s’intéresse au minimalisme et l’informatique peut tout à fait s’y prêter.

On est rentré à la Villa autour de ces questionnements sur l’information, l’écriture, l’improvisation, la tradition orale et écrite… mais à vrai dire là-bas, on a chacun travaillé sur nos propres centres d’intérêt.  J’ai beaucoup écrit car je me suis toujours dit qu’à partir de quarante ans, j’aimerai consacrer le reste de mon temps à la musique écrite. D’où un questionnement sur le rôle de l’écriture dans la fabrication, dans la fabrication d’une idée et à quel moment elle est indispensable. J’ai pas mal écrit, j’ai pas mal réfléchi… On va pas dire que j’ai changé, mais il y a eu beaucoup de déplacements. Maintenant mon centre d’intérêt n’est plus vraiment dans le jazz mais vraiment dans le domaine de la musique écrite. J’ai de la chance, j’ai eu plusieurs commandes. Petit à petit, j’ai l’occasion de faire vivre les choses que j’écris et qui appartiennent plus au domaine de la musique contemporaine. Mais c’est intéressant parce que maintenant dans le jazz aussi, je vais dans une direction plus empirique. « Est-ce qu’il y a une vitalité dans ce que je fais ? » Cette vitalité, elle se repose sur le fait de sentir intuitivement que je dis quelque chose de juste, que je suis dans une certaine forme de justesse. Il n’y a plus cette recherche d’enracinement dans des idées formelles, fonctionnelles, esthétiques. Mais même dans la phase de la création, j’essaie toujours de m’assurer que l’intuition prime…

(Deuxième partie de l’interview dans la prochaine publication)

Crédits Photo : Olivier Samyde

Programmation

CONCOURS EXPRESS // Walkzine vous fait gagner 2×2  places à l’occasion du concert du 6 novembre, au Divan du Monde : Here We Go Magic / Half Moon Run / Arthur Beatrice.
Pour cela, il vous suffit de rejoindre la fanpage de Walkzine https://www.facebook.com/Walkzine et de laisser un commentaire sur le mur ou directement sous cet article.

Tirage au sort ce lundi 29 octobre.

A noter que durant le Festival, un Blind Test Live sera organisé et animé par le déjanté Nicolas Ulmann. Pour participer, rendez-vous dès maintenant sur le lien :

www.Petitlien.fr/blindtest

Je vous l’ai récemment annoncé, Walkzine et Qobuz sont devenus partenaires afin de vous faire partager toujours plus de musique dans des conditions optimales, tant sur la qualité des contenus qu’en terme d’écoute.

Je tenais donc à vous présenter la playlist que je vous ai spécifiquement concoctée sur Qobuz. Une sélection variée de morceaux reflétant mon goût pour la découverte et l’éclectisme, allant de ceux que je considère comme incontournables à mes derniers coups de coeur  :

Playlist Walkzine

L’occasion également de vous signaler que Qobuz a récemment lancé sa nouvelle formule d’abonnement de musique illimitée en MP3 320. Pour ceux qui ne connaissent pas Qobuz Premium c’est :

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 Au delà de ce qu’offre l’abonnement premium, Qobuz c’est :

 · La recommandation : profitez chaque jour des sélections offertes par les journalistes de Qobuz.

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CONCOURS // Et comme pour mieux profiter de la playlist Walkzine et de l’ensemble des prestations sur Qobuz, nous vous offrons la possibilité de gagner un an de musique illimitée via ce lien : 

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La première soirée WALKZINE a été un succès! 1000 Mercis à GREGOIRE VALOT, Mr. ZERO et toute l’équipe de la FAVELA CHIC / Aux artistes FOLK’U, GOOD NIGHT JUNKEE et USB / Aux créatrices LEON ROSE MAGMA et LES CAILLES DE LUXE / à CHEICK (Photos), CHRISTIAN et THOMAS (vidéo), Aux PROCHES, aux AMIS, aux AMIS d’AMIS, aux COLLEGUES, aux CONTACTS PRO., à ceux qui m’avaient dit ne pas pouvoir passer et qui sont quand même passés, à ceux qui ne m’avaient pas prévenus de leur venue et qui sont venus, à ceux que je ne connaissais que virtuellement et que j’ai enfin pu rencontrer… Je ne sais pas combien vous étiez, mais vous étiez NOMBREUX!

Il se pourrait bien que j’ai de nouveaux évènements WALKZINE à vous annoncer tout prochainement. A suivre!

D’ici là, n’hésitez pas à rejoindre la page Facebook pour être informé de l’actu. en temps réel : 

https://www.facebook.com/Walkzine

Le TOP 20 des blogs qui ont le plus de votes à ce jour, est paru… et WALKZINE n’y figure malheureusement pas… mais il est encore temps de changer la donne.

Alors si vous voulez soutenir ce projet et m’encourager, je vous invite tous à cliquer TOUS LES JOURS sur la pastille bleue qui se trouve sur le lien ci-dessous et à inviter tous vos contacts à faire de-même. Partagez le lien sur vos facebook, twitter & Co. :

http://www.golden-blog-awards.fr/blogs/walkzine.html

Attention, il ne reste plus que 5 jours (jusqu’au 22 octobre inclus) donc je compte sur vous!!!

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————–GRATUIT—————

Des sons qui tintent tels des cloches se rapprochant, comme pour mieux entrer dans la matière sonore de Body Mind Soul… Ainsi commence l’EP de ce groupe à mi-chemin entre trip-hop et rock indé.

La mélodie de White Spider et les aigus de la voix de Duende nous entrainent dans un matériau qui se fait de plus en plus dense, enchaînant sur le motif synthétique entêtant de The biggest lie.

Autre atmosphère, plus sombre et mystérieuse pour Un Amor Platonico, bref interlude pianistique que l’on aurait aimé voir durer… mais Ghost ne tardera pas à raisonner dans vos têtes. Le final Awareness plus énergique et enlevé, finira de vous convaincre du potentiel de ce groupe.

En cinq titres, BMS réussi donc le pari de nous présenter un univers aux multiples influences, promettant ainsi de nous faire voyager au fil de chaque morceau. Et en attendant de les (re)voir en live et de découvrir l’ensemble de leurs compositions, BMS vous offre la possibilité de téléchargement gratuitement cet EP : >> écoute <<

A noter que BMS a récemment remporté le Prix « Coup de pouce » lors de la finale du Tremplin Loirelectrik et jouera normalement lors du Festival Terres du Son (37) l’été prochain!

http://bodymindsoul.bandcamp.com/

Une victoire de la musique en poche depuis et un nombre incalculable de concerts plus tard, elle vient se poser le temps d’une soirée le 13 octobre à La Cigale, en compagnie de la zurichoise gannéenne Oy.

Ce sont deux voix magnétiques, deux chanteuses engagées, nées en Afrique, exilées, dont les pas embrassent deux cultures, au fil de leurs inspirations.
Si l’une est une véritable diva soul, l’autre est une conteuse d’un nouvel âge. La franco-camerounaise Sandra Nkaké mêle avec brio l’art de la scène à des capacités vocales impressionnantes. Elle multiplie avec bonheur les collaborations tant d’un point de vue musical que sur les planches d’un théâtre ou au cinéma. La zurichoise ghanéenne Joy Frempong “Oy” joue pour sa part d’une grande virtuosité en combinant les effets électroniques à sa voix de velours. Elle parcourt le continent africain, enregistrant rencontres et témoignages, à la recherche d’une enfance oubliée.
Pour un soir, elles mêlent chacune à leur manière leurs expressions d’un vécu, d’un récit de vie qui ne connaît ni atermoiement, ni barrière culturelle. Sandra Nkaké et ses invités nous font partager la vie du quotidien, ces moments simples et magiques où les destins se croisent, tous en proie à des choix existentiels. Oy nous chante ses anecdotes extraordinaires avec quelquefois beaucoup d’humour, celles récoltées au Ghana et dont l’écho évoque une Afrique fière et contemporaine.
Toutes deux n’ont de cesse de franchir et de dépasser pour nous les mers et les coutumes.

Ajoutez à cela des invités de marque, parmi lesquels Daniel Yvinec, Mike Ladd, Jules-Edouard Moustic et Hugh Coltman… On ne peut qu’être d’avance séduit!

La Cigale

Hugh nous nous étions déjà rencontrés en décembre dernier. Que s’est-il passé dans ta vie artistique depuis ?

Pas énormément de choses! Je suis en train de créer un petit studio parce que bosser à la maison, ça devient compliqué. Mais le plus grand projet de l’année, ça a été de collaborer avec Eric Legnini. Ça fait à peu près un an que je tourne avec Eric et ça continu. J’enregistre bientôt sur son nouveau disque. On a composé les morceaux, je chante sur 3 chansons. Il y a aussi Mamani Keita et je crois que Fink chante également sur un titre. J’adore ce mec (Eric), j’adore son groupe… Les mecs, ils jouent à mort et il n’y a aucun égocentrisme. Ils sont hyper simples et c’est juste un régal ! C’est cool aussi parce qu’on joue dans plein de lieux, le public est donc différent aussi : des fois, c’est lors de festivals gratuits donc ça popularise le jazz, dans les rues etc. C’est vraiment chouette !

Tu as retenu des moments particulièrement forts lors de tes concerts ?

Concernant mes projets perso., on a fait qu’un seul concert à la Flèche d’Or avec les nouvelles chansons. C’était la première fois qu’on les présentait en public et à un moment lors de la chanson « Isolation », il y a quelqu’un dans le public qui a hurlé : « Cette chanson, c’est un truc de ouf ! » C’était dingue. Lors du premier disque, j’avais fait beaucoup de café-concerts, de choses comme cela, alors que pour celui-là, il y a beaucoup de chansons qui n’ont jamais été jouées devant le public et c’est une chose étrange pour moi. Ce concert, c’était donc un moment fort pour moi… Voir que ces chansons passent, que ça plaît aux gens. Et puis, il y a eu le clip de « The End of The World » réalisé par mon ami Marc Obin, avec Pierre Richard… ça c’était, un moment fort !

Je me doute bien mais on y reviendra après ! Concernant tes collaborations, j’ai pu voir que tu avais joué avec un orchestre symphonique lors du Festival de Musique classique de Saint-Riquier. Comment un tel projet a eu lieu ?

C’est Juliette Deschamps – metteuse en scène pour le théâtre et l’Opéra – qui m’a contacté pour ce projet. Elle m’avait vu en première partie de M –Mathieu Chédid – et comme elle programmait l’ouverture de ce festival à Saint-Riquier, elle m’a proposé de venir chanter mes chansons. J’ai accepté et comme j’ai appris qu’il y avait un orchestre symphonique, je lui ai demandé si je pouvais jouer avec eux. Elle a trouvé ça super et donc on a fait quatre chansons, trois de mes compos et « Hallelujah » … ça fout vraiment la trouille, quand tu es un petit musicien qui arrive avec un « ré-la-ré-la-ré », alors qu’eux ce sont des grosses bêtes. Je les ai vraiment remercié parce que jamais je n’aurai pensé jouer ces arrangements avec de tels musiciens. C’était vraiment chouette ! Il y avait également mon ami réalisateur Marc qui a filmé, ce qui nous a permis de faire circuler les vidéos sur le net.

« Zero Killed » est sorti en version physique le 1^er octobre. De quoi parle ce nouvel album ?

Le titre résume pas mal les chansons, en général. Zero Killed ça veut dire « il n’y a pas mort d’hommes » mais en fait ça vient de ce geste là (il fait un rond avec son pouce et son index, et lèvent les trois autres doigts). Dans les hôpitaux durant la première guerre mondiale,  les médecins avaient un tableau noir sur lequel était inscrit le nombre de morts et de blessés et « 0 K » voulaient dire « Personne n’est mort » donc c’était plutôt une bonne chose ! Pour moi, les chansons c’est un peu comme des drames quotidiens, ces mini drames où à moment donné, tu te réveilles tout va bien… et d’un coup, tu te sens coincé, ta vie ne va plus, rien ne va plus… Mais là encore, il n’y a pas mort d’hommes… Il s’agit d’histoires que mes amis ou moi, on a vécu, que j’ai construit autour de phrases que j’ai entendu ici ou là.  J’ai du mal à imaginer une histoire « point barre », il me faut un déclencheur, une phrase, l’impression de quelque chose… sinon je peins dans le vide.

Par exemple, pour la chanson « Snow Falls » que j’ai faite pour le nouveau disque d’Eric Legnini, je me demandais ce que j’allais écrire et je trouve cela assez angoissant. Ok tu commences à trouver une mélodie mais après tu demandes de quoi tu vas parler. J’ai donc ouvert un grand bouquin de poésie américaine que m’a donné un ami et je suis tombé sur « Snow Falls ». Pourquoi alors, ne pas écrire sur la simplicité de la neige qui tombe sur la ville ? ça se conclut sur deux personnages qui se retrouvent ensemble, et qui vivent ce moment un peu exceptionnel sous la neige. Bon c’est un peu romantique… mais j’ai besoin de ces clefs pour écrire des textes.

Dans mon album, il y a la chanson « Stranded » qui est assez sifflotante et heureuse, mais les paroles ne le sont pas du tout. J’aime bien ces juxtapositions. La chanson parle d’un couple. Ils ne savent plus s’ils sont amoureux ou pas, si c’est normal que l’amour se transforme en amitié… La dernière phrase du texte que j’aime beaucoup veut dire « On s’allonge l’un à côté de l’autre, échoué sur notre lit de mariage ». Je trouvais cela assez joli d’envisager cette métaphore comme une relation. C’est très dur dans une relation de savoir si c’est fini. Tout le monde sait que les premiers temps, tout est fantastique puis qu’au bout d’un temps, les choses s’aplatissent car il y a une connaissance plus profonde de l’autre…

Je suis content car il y a aussi un titre dans l’album qui est joyeux sans être gnian-gnian… Je trouve qu’écrire des chansons joyeuses c’est le plus difficile. Aujourd’hui, on est trop cool, trop ironique. Tout a été fait trois fois…  Tu peux pas dire aujourd’hui « Il fait beau, je suis content » … Cette chanson « It’s a Wonder » parle de ma fille. Il y a eu deux déclencheurs pour cette composition : Le premier, c’était mon amie Krystle Warren qui m’a fait écouter la chanson « Lonely » qui dure 1’12. « Punaise ! Elle a tout fait en 1’12. Il y a une mélodie qui tue. Un refrain qui tue. Un pont qui tue…  Wouah ! ». Je me suis dit que je voulais aussi écrire une chanson courte et efficace. Le second, c’est la chanson «  Kooks » de David Bowie, dans laquelle il a une manière assez drôle de parler de son enfant. Il joue sur une sorte de complicité qu’il veut créer avec l’enfant et un côté un peu rebelle : « Si les devoirs te dépriment, on prend la voiture et on balancera les devoirs dans un feu de camp »… Un peu dans l’idée de « On est toi et moi contre le monde ». Dans ma chanson,  je dis « N’essuie pas les larmes que tu as sous les yeux, je le ferai avec le bout de mes doigts ». L’idée n’est pas de « ne pas pleurer » mais de dire « Il y a des moments où tu vas sourire, d’autre où tu vas pleurer… mais ça n’est pas grave ». C’est un sentiment assez simple, mais fidèle à ce que je ressens.  J’aime jouer sur cette complicité que l’on peut avoir avec une personne qui est en train de se créer, de grandir… Voilà, il y a plein d’histoires !

On parle d’histoires. Tu me disais vouloir être comédien. Tu tournes un clip avec Pierre Richard… Hasard? Coïncidence ? Véritable souhait ?

Ça n’est pas un hasard, c’est la connexion de plusieurs bonnes coïncidences. Je viens ici assez souvent, c’est pour cela que je te l’ai proposé. C’est un peu mon bar du coin, où je viens prendre chaque matin mon petit café, et je le prends souvent avec Marc (le réalisateur du clip, que j’ai rencontré à la crèche où sont nos filles). On parle musique, on parle cinéma, on parle filles…  et à un moment, il m’a dit qu’il avait vraiment envie de faire un clip pour moi. Moi je trouve que c’est dangereux parfois de faire les choses avec les potes, parce que si ça va mal, s’il y a un problème de budget, c’est compliqué à dire… C’est une position très difficile donc je voulais éviter, mais il m’a dit qu’il s’en fichait, qu’il voulait qu’on s’amuse. On a donc fait un clip pour la chanson « The Mathematician » en quasi plan-séquence sur ma tête. Je trouvais cela assez fort visuellement, un peu comme le clip de Di Angelo mais sans ses tablettes de chocolat !

J’ai trouvé que ce que Marc avait fait été super et du coup, je cherchais une idée pour un nouveau clip. Je venais de voir le dernier clip de Rufus Wainwright avec Helena Bonham Carter qui chante, qui joue vraiment bien et lui qui joue trois personnages différents.

J’ai donc eu envie de faire un clip avec quelqu’un d’autre qui jouait le rôle principal, pas juste moi avec une fille… Je suis assez grand fan de Pierre Richard, j’ai deux coffrets dont un documentaire et en rigolant, j’ai dit à Marc « On n’a qu’à faire le clip avec Pierre Richard ! ». En fait, comme je venais de regarder le documentaire dans lequel on parlait de Pierre au passé, je croyais qu’il était mort! Marc par ses connaissances dans le cinéma (avant de bosser dans la réalisation, il était chef déco.) a eu l’adresse postale de Pierre, à qui j’ai écrit une lettre à l’ancienne, en y joignant l’EP et le premier clip… Chose improbable, il m’a répondu par email en me disant que si le projet lui plaisait, il le ferait et en concluant par « Sachez toutefois, que je ne suis plus l’agile et bondissant personnage que je fus ». On a pris rendez-vous et on a émis l’idée d’un scénario. Pierre nous a beaucoup aidé d’ailleurs. C’est fou, t’as juste en face de toi un mec qui a fait soixante films, qui te propose des idées… Le cinéma, tu as l’impression que c’est éphémère, tu te demandes « pourquoi lui, pourquoi pas moi ? » mais quand tu as un grand comédien colle lui devant toi, tu vois que c’est pas éphémère du tout, qu’il sait exactement ce qu’il fait. Sur le plateau, il avait une parfaite maîtrise de ses gestes, de ses expressions. Il est extrêmement imaginatif et même à 78 ans, ça continue de bouillonner dans sa tête ! C’était pour moi, une expérience inoubliable ! Il est d’une drôlerie naturelle et son humour est poétique, dans la miniature des gestes. Je trouve cela beaucoup plus touchant que la plupart des comédies…

Maintenant que l’album et ce clip sont sortis, quels sont tes projets?

Il y a la réalisation de l’album d’Helena Noguerra. Elle m’avait envoyé il y a assez longtemps, quelques chansons dans une forme extrêmement brute, sur laquelle j’ai rajouté des parties et modifié certaines choses. Entre temps, elle a eu un autre rôle au cinéma donc elle a mis ce projet de côté. J’ai pensé que mon travail ne lui avait pas plu… Je me suis un peu auto-flagélé et en fait, elle m’a rappelé pour qu’on aille en studio, que je lui donne mon avis etc.  L’album d’Eric Legnini sort en février. Il s’est vraiment surpassé sur ce disque et il y a vraiment des chansons sublimes. Et puis j’ai également chanté avec China Moses et ça va paraître sur son album. Elle est terrible cette fille ! Je ne suis pas un chanteur de jazz… mais en fait, en ayant un peu de jazz avec Eric et avec China, je me dis « Pourquoi ne pas faire un disque à un moment, de reprises de great american songs… ».        A suivre.

A noter que Hugh Coltman sera en concert au Café de la danse, le 15 novembre.

Vous pourrez retrouver les créatrices Cailles de Luxe dont je porte ce collier, lors de la Soirée Walkzine à la Favela Chic le 17 octobre prochain.

Copyright Photos : Jérôme Flament

Hugh Coltman

17 octobre 2012 à partir de 20 heures, à la Favela Chic.

Au programme, une pointe de folk, une bonne dose de rock, une pincée de jazz electro brésilien, des créatrices de mode et de bijoux, des feijoadas et mojitos à gogo… Une véritable promenade sonore, visuelle et gustative. De quoi refléter l’esprit de Walkzine en live!

L’occasion également de faire se rencontrer les internautes, les artistes, les responsables de promo/ labels et tous les autres petits curieux… On vous y attend nombreux !

<FOLK’U> / Folk
Folk’U est un groupe de pop-folk pas comme les autres.
Formé en 2010, il réunit Brice et Clou, deux auteurs-compositeurs-interprètes attachés
aux histoires décalées et aux mélodies ciselées.
Une voix et une guitare qui sillonnent les scènes de France et de New-York,
en duo ou en compagnie de Stéphane, claviériste et d’Erwan, percussionniste.

http://folk-u.tumblr.com/

<GOOD NIGHT JUNKEE> / Rock
Good Night Junkee, c’est un power trio formé en 2010, ça vient de Paris et de Bordeaux,
mais ça sonne Londres, c’est doux pour les oreilles et c’est bon pour la circulation.
A quoi ça ressemble? On pourrait dire que c’est du rock indé mais comme personne ne sait ce que ça veut dire, mieux vaut venir juger par soi-même.

http://goodnightjunkee.bandcamp.com/

ITW de Good Night Junkee

<USB> / Electro Jazz Brésilien
Philippe Baden Powell : Claviers + DJ set avec Pedro D-Lita
Au carrefour des musiques brésiliennes se croisent différents rythmes et sonorités traduisant la diversité du Brésil. C’est à travers électro et acoustique que Selector Pedro D-Lita et le pianiste Philippe Baden Powell ont choisi de vous faire découvrir The Universal Sound Of Brazil.

ITW de Philippe Baden Powell

<LEON ROSE MAGMA> / clothes
Une mode fraîche et décalée qui évolue actuellement autour de la thématique du fruit, selon les couleurs et les saisons.

http://www.leonrosemagma.fr/

<CAILLES DE LUXE> / bijoux
Bijoux créatifs mêlant fantaisie, humour et jolies trouvailles pour un look branché discret… ou plus excentrique !

http://www.caillesdeluxe.com/

Entrée gratuite – Possibilité de dîner sur place
18 rue du Faubourg du Temple – Paris

Vous pouvez vous inscrire ici : Event Facebook (non obligatoire)

http://www.favelachic.com/